Las 100 mejores películas de la década de 1970

Desde El Exorcista hasta Eraserhead, desde las epopeyas de Blaxploitation hasta los éxitos de taquilla, desde las películas de El Padrino hasta las aventuras ambientadas en una galaxia muy, muy lejana: nuestras selecciones de las mejores películas de la mejor década del cine estadounidense.

En el sentido de las agujas del reloj desde la izquierda: 'Eraserhead, The Godfather: Part II', The Exorcist,' 'Star Wars' y 'Blazing Saddles'. COLECCIÓN EVERETT, 7

Fue la década que nos dio películas de medianoche, éxitos de taquilla modernos, epopeyas de Blaxploitation, neo-noirs y la crema de la cosecha del Nuevo Hollywood. Los "Mocosos de cine" estaban en pleno apogeo, y después de que el sistema de estudio dejó pasar a los bárbaros barbudos por la puerta, el público recibió lo que parecía una nueva visión hermosa y sombría de la vida estadounidense semanalmente. Más tarde, los boxeadores, los adolescentes ciclistas, los niños de béisbol y los jugadores de hockey demostrarían que, a veces, los desvalidos ganan aunque en realidad no ganen. Estos fueron los años en que aprendimos a tener miedo de los tiburones, los acuchilladores enmascarados y los jóvenes que escupen sopa de guisantes. (Para ser justos con Regan MacNeil, el diablo la obligó a hacerlo).

Hay una razón por la que la década de 1970 es idolatrada, convertida en fetiche y nombrada constantemente por varias generaciones de cinéfilos: la gran abundancia de grandes películas que se estrenaron durante ese lapso de 10 años, especialmente (pero no exclusivamente) de cineastas estadounidenses. Mirando hacia atrás a la segunda edad de oro de Hollywood mientras este grupo de escritores intentaba luchar con la noción de las 100 mejores películas de la década de 1970, es alucinante pensar en tantos de los que ahora consideramos los puntos culminantes de un todavía joven. Esta forma de arte surgió de este pequeño espacio de tiempo. Lo único que lamentamos es que no llevamos esta lista a 200, o incluso a 300 títulos. (Olvídalo, Jake, es una fecha límite).

Aquí están nuestras selecciones de las mejores películas que surgieron de esa era fértil del cine, desde negocios familiares dirigidos por padrinos hasta historias en una galaxia muy, muy lejana. No estarás de acuerdo con todas estas opciones, pero espero que vuelvas a visitar cada una de las películas de esta lista y encuentres algo nuevo en estos documentos de una década de películas salvajes, locas y extrañas. Para citar a un hombre sabio: "¡Es hora del espectáculo, amigos!"

COLECCIÓN JERRY TAVIN/EVERETT

Hubo "películas de medianoche" antes de la versión para la pantalla grande del espectáculo teatral irónico de Richard O'Brien, ensamblado a partir de piezas sueltas de películas dobles de ciencia ficción, teatro musical y pasajes subrayados de "Notes on Camp". Pero esto vendría tanto a definir como a refinar todo el concepto de los cultos cinematográficos, convirtiendo sus proyecciones fuera de horario en reuniones de cosplay interactivas diseñadas para una experiencia comunitaria. El propio O'Brien es Riff-Raff, el manitas jorobado que inicia a los inocentes perdidos Barry Bostwick y Susan Sarandon en un mundo de monstruos, frikis y fluidez sexual; su resistencia es, por supuesto, inútil. Y quién necesita al Dr. Frankenstein cuando tienes al Dr. Frank-N-Furter, el icónico científico loco de Tim Curry en medias de rejilla y un hombre capaz de hacerte temblar de anticipación. Es suficiente para hacerte creer que la liberación fue solo un salto a la izquierda, y luego un paso a la derecha, lejos. —David Miedo.

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Conoce a Tony Manero, de 19 años, nativo de Bay Ridge de Brooklyn. Durante el día, todos los chicos de este distrito exterior venden pintura y discuten con su familia ítalo-estadounidense. Pero cuando se pone el sol y se encienden las luces de la discoteca local, Tony es un dios. La película de John Badham está tan estrechamente asociada con la moda disco de finales de los 70 que si buscas la palabra en el diccionario, simplemente verás una imagen de John Travolta en traje blanco de ocio, con la mano derecha apuntando hacia el cielo. Esta fue la película que convirtió al niño Kotter de Welcome Back en una estrella genuina, además de vender a la corriente principal de Estados Unidos lo que había sido principalmente una cultura de club clandestina y darle a los Bee-Gees un impulso serio. Las escenas de baile son cápsulas de tiempo tan cinéticas que casi olvidas lo crudo y sombrío que es el resto de la película, y que en realidad es una historia sobre la mayoría de edad sobre un chico que supera a sus amigos cabeza hueca, su vecindario y su propio conjunto limitado de opciones Solo, ya sabes, cuida su cabello, ¿de acuerdo? Trabajó en ello durante mucho tiempo. —DF

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Ambientada en 1964 en el apogeo del Movimiento por los Derechos Civiles y con música del vibrante catálogo de Motown, esta historia sobre la mayoría de edad sigue a un grupo de jóvenes estudiantes negros de secundaria en Chicago, liderados por el floreciente poeta Preach (Glynn Turman) y su Cochise (Lawrence Hilton-Jacobs), el mejor amigo que va a la universidad, a través de una serie de travesuras adolescentes (escaparse de clase, peleas en fiestas caseras). Durante un momento en el que la mayoría de las películas de Blaxploitation atraían la mirada del público hacia historias de sexo, crimen y drogas, el director Michael Schultz (Lavado de autos) centró su atención en la rica vida interior de estos jóvenes negros. Ese giro hacia su vínculo de amistad no solo diferenció a Cooley High de las películas más sensacionalistas con las que compartió espacio en la pantalla; prácticamente redefinió la percepción de lo que podría ser una película negra durante la década. —Roberto Daniels.

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Orson Welles está en su punto más resbaladizo en este ensayo, ya que importa su don para contar cuentos fantásticos en el circuito de programas de entrevistas a un formato de largometraje. Comienza centrándose en el notorio falsificador de arte Elmyr de Hory, solo para volver atrás y convertir los procedimientos en una meditación sobre la naturaleza de la verdad misma, así como los mitos que nos decimos a nosotros mismos para dotar de significado a nuestras vidas. Mientras tanto, el compañero de Welles, el enigmático Oja Kodar, aparece en el fondo, tanto vestido como desnudo. Es un delicioso viaje mental y un recordatorio de que una mirada imparcial a su rico catálogo produce más que la mejor película de todos los tiempos. Incluso como una joya menor, F for Fake brilla intensamente en su catálogo anterior. —Mosi Reeves.

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El novelista, dramaturgo, director y actor Bill Gunn creó Ganja & Hess por invitación de una compañía de cine independiente ansiosa por comercializar una película de blaxploitation. Pero la sinfonía resultante de herencia afrocaribeña, rituales vudú, culpa cristiana, alusiones homoeróticas y tensión sexual no satisfizo el deseo de sus patrocinadores de un vampiro negro rápido similar a Blacula. La trama se centra en Hess Green (Duane Jones, quien también protagonizó otra obra maestra de terror, Night of the Living Dead), un antropólogo que bebe la sangre de un asistente (interpretado por Gunn) que se suicida. Luego se enamora de la esposa de su asistente, Ganja ( Marlene Clark ), cuando ella viene a investigar. El trabajo de cámara único de Gunn y las imágenes llamativas hacen que esta sea tanto una película de arte como un horror independiente; obtuvo excelentes críticas en el Festival de Cine de Cannes de 1973 y ahora es reconocida como un clásico. -SEÑOR

©20THCENTFOX/COLECCIÓN EVERETT

Están todas las demás películas de carreteras del desierto de fumetas, y luego está Punto de fuga. El veterano de Twilight Zone, Richard C. Sarafian, hizo una película de medianoche que podría dar a cualquiera un toque de contacto. Barry Newman es Kowalski, el conductor solitario, al volante de un Dodge Challenger en una misión de alta velocidad para llegar a San Francisco. ¿Están los policías persiguiéndolos? ¿Conoce a una comuna de rock fanática de Jesús? ¿Ve él una visión mística de una motociclista hippie rubia montando su Harley desnuda con los riffs de guitarra de "Mississippi Queen"? Sí, sí, y obviamente. Su única guía: Cleavon Little como el DJ de radio ciego Super Soul, aclamando a Kowalski como "el último héroe estadounidense... ¡la última hermosa alma libre de este planeta!" Su rap de DJ ha sido musicalizado tanto por Guns N Roses ("Breakdown") como por Primal Scream ("Kowalski"), un tributo al impacto de esta película de meta-carretera. —Rob Sheffield

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Siete años después de la rebelión de Watts provocada por la muerte de Martin Luther King Jr., se llevó a cabo un concierto con los artistas de grabación de Stax Records en el Los Angeles Memorial Coliseum. Su objetivo era curar la zona. "Soy alguien", dicho con orgullo por Jesse Jackson, se convirtió en su grito de batalla. El conmovedor documental del director Mel Stuart difiere de crónicas similares de espectáculos memorables como The Last Waltz, porque en realidad no se trata de los artistas destacados (como los Staples Singers, Rufus Thomas, Isaac Hayes, entre otros). En cambio, su interés surge de dar voz y presenciar las conversaciones agudas entre la gente negra sobre el colorismo, las citas interraciales y el blues. Es la película de un concierto que le dice a la gente negra "eres alguien" en cada toma. —RD

COLECCIÓN EVERETT

Por un momento, trate de olvidar sus sentimientos sobre Woody Allen en 2023 y retroceda en el tiempo hasta 1977, cuando Annie Hall dio un vuelco a las nociones de la comedia romántica con su mezcla de dirección directa a la cámara, cocción de langostas y malestar existencial. . Esta obra maestra ganadora de un Oscar sumerge a su audiencia en la psique neurótica del alter ego de Allen, Alvy Singer, mientras se enamora de la tontería homónima de WASP interpretada por Diane Keaton. En parte un estudio de la asimilación judía estadounidense y en parte la saga de enamorarse y desenamorarse, Annie Hall es aún más que la suma de sus partes perfectas. Y, sí, las partes siguen siendo deliciosas, desde el espeluznante giro de Christopher Walken como el aterrador hermano de Annie hasta el estornudo de cocaína. Pero es la melancolía lo que convirtió a este modelo en el modelo a seguir por muchos cineastas en los años venideros. Y, por supuesto, está la propia Annie de Keaton, una mujer de ensueño con un alma profunda debajo de todos sus la di das. —Esther Zuckerman.

VISIÓN EN EL HOGAR ENTRETENIMIENTO/BIBLIOTECA DEL CONGRESO IMÁGENES EN MOVIMIENTO

El impresionante debut de Joan Micklin Silver sobre los inmigrantes judíos en el Lower East Side casi se siente como un artefacto de otra época, no de la década de 1970, para ser claros, sino de finales del siglo XIX cuando tiene lugar. Filmada en blanco y negro y hablada a menudo en yiddish, Hester Street comienza como la historia de Jake (Steven Keats), ex Yankel, un hombre que cree que está prosperando en su nuevo hogar en la ciudad de Nueva York. Pero la perspectiva, hábil y desgarradoramente, cambia con la llegada de su esposa, Gitl (Carol Kane). Jake está disgustado con sus costumbres del viejo mundo y quiere que se asimile... pero no lo suficiente como para que abandone su lugar en el hogar. Sus instrucciones contradictorias son crueles, pero Gitl no es la imagen limitada de Jake de una mujer estadounidense. En cambio, se adapta a su entorno a su manera. Silver cede la película a la increíble actuación nominada al Oscar de Carol Kane, y el actor habita en Gitl con los ojos abiertos como si ella también acabara de llegar a este país. —EZ

COLECCIÓN EVERETT

El verano del Bicentenario del 76 fue una temporada alta para ser un joven aficionado al béisbol: el lanzador más popular del juego fue el chico de pelo largo de Detroit Mark "The Bird" Fidrych, mientras que la película más popular fue The Bad News Bears. La comedia de Michael Ritchie fue protagonizada por un escuadrón de la liga infantil lleno de niños inadaptados que maldicen como los marines, pero es una de las películas deportivas más emocionalmente precisas y divertidas jamás realizadas. Walter Matthau tiene el papel de su vida como Buttermaker, el gilipollas borracho que mastica cigarros y entrena a un equipo patrocinado por Chico's Bail Bonds. ("¡Que suene la libertad!") Pero los Bears comienzan a ganar cuando consiguen una lanzadora, Tatum O'Neal, además del delincuente Jackie Earle Haley, que monta a Harvey. Cada niño aquí se convirtió en un héroe de culto: Lupus, que prepara los martinis del entrenador. Engelberg, quien le dice que conducir con una botella de whisky abierta es ilegal. ("Así que es asesinato, Engelberg. Ahora devuélvelo antes de que me metas en un verdadero problema"). Ogilvie, el primer fanático de las estadísticas de béisbol de la cultura pop, en un momento en que Bill James todavía estaba enviando su Resumen por correo desde su garaje. Y Tanner, quien básicamente inventa a la Generación X en el momento en que le dice al equipo rival: "Oigan, Yankees, ¡pueden tomar sus disculpas y su trofeo y dárselos por el culo!". Incluso las secuelas baten por encima de la línea de Mendoza. —RS

CORTESÍA COLECCIÓN EVERETT

Es la mejor comedia sureña frita para chicos buenos, la más Burt Reynoldsiana de las películas de Burt Reynolds de la década de 1970 (que es decir algo) y el Ciudadano Kane de Redneck Cinema. Una leyenda en los círculos de contrabandistas, Bandit y su compañero "Snowman" (el músico country Jerry Reed) son contratados para transportar un camión lleno de cerveza Coors ilegal, no, en serio, de Texarkana a Atlanta en poco más de un día. El tema musical de Per Reed, "tenían un largo camino por recorrer y poco tiempo para llegar allí", lo que se complica con la novia fugitiva de Sally Field y una pandilla de "smokeys" en su camino. El doble de acción y antiguo amigo de Reynolds convertido en director, Hal Needham, no solo aprovechó el encanto inherente y el momento cómico de su estrella, sino que también se dio cuenta de que la combinación de persecuciones de autos, cultura de camioneros y humor de nivel Hee-Haw (déjalo por Buford T de Jackie Gleason). . Justice) sería una trifecta de película de autocine. La película fue DOA en el momento de su estreno hasta que alguien en Universal descubrió concentrarse directamente en el mercado de cines del sur, momento en el que la película despegó más rápido que los policías estatales en la persecución de un Trans Am a toda velocidad. —DF

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El único largometraje de la escritora, directora y actriz Barbara Loden se centra en una mujer que acaba de dejar a su esposo y perdió su trabajo en una fábrica. Luego se une pasivamente a un ladrón de poca monta, saltando del taburete del bar al asiento trasero con la resignación de un prisionero que ya no sueña con escapar. Es un retrato de un espíritu quebrantado que era sombrío incluso para los estándares de la época. (El guión de Loden atrajo poco interés, razón por la cual terminó dirigiéndolo ella misma; es una película sobre alguien paralizado por las expectativas de la sociedad, hecha por alguien paralizado por las expectativas de la sociedad). cine independiente, y un objeto de fascinación para escritores y cineastas intrigados por la corta vida y el extraordinario sentido de humanidad de Loden. —Katie Rife.

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Para un breve pero hermoso "¡1-2-3-4!" momento, los Ramones eran estrellas de cine. Rock 'n' Roll High School era Joey, Johnny, Dee Dee y Markie, luciendo su propia A Hard Day's Night de cuero negro. Dado que el niño promedio no tenía esperanzas de escuchar a los Ramones en la radio, mucho menos en CBGB, la película de explotación del director Allan Arkush fue la droga de entrada para innumerables fanáticos. (Un gran saludo a Siskel & Ebert, quienes le dieron un impulso de hey-ho, vámonos cuando nadie más lo hizo). ), "¡Soy una lobotomía adolescente!" Centrar la película en torno a la fangirl feminista fue un movimiento profético, por lo que fue un texto sagrado para la revolución riot-grrrl de 1990, hasta "I Wanna Be Your Joey Ramone" de Sleater-Kinney. Llega a su punto máximo con un resplandeciente set en vivo donde Da Bruddas toca "Blitzkrieg Bop" y "She's The One"; para el clímax, ayudan a Riff a volar la escuela. ¡Gabba Gabba Hey! —RS

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François Truffaut emergió de una infancia difícil para convertirse en un cineasta muy sensible a los peligros que enfrentan los niños y las formas en que el mundo se aprovecha de los inocentes y vulnerables. Eso hace Small Change, una parte de la vida ambientada entre los niños de la ciudad francesa de Thiers, de una pieza con películas anteriores de Truffaut como The 400 Blows y The Wild Child. Eso es particularmente cierto cuando se enfoca en la historia de Julien (Philippe Goldmann), un niño cuyo abuso al principio pasa desapercibido para sus maestros y compañeros de clase. Pero Truffaut hace que la historia del niño sea parte de un tapiz que mezcla lo caprichoso con lo agridulce mientras teje una variedad de experiencias infantiles. Es un tour de force a escala en miniatura. —Keith Phipps.

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Sam Peckinpah nos ofrece una oda elegíaca al western, con Kris Kristoffersen como el forajido de ojos desorbitados y James Coburn como el cínico sheriff contratado para matar a tiros a su viejo amigo. El cineasta también echó un espíritu afín: Bob Dylan, otro poeta de la mitología americana, en su primer papel dramático. Dylan interpreta a un vagabundo astuto llamado Alias, hábil con una guitarra o una navaja. (¿Alias ​​qué? "Alias, lo que quieras"). Es prácticamente El último vals de los westerns, lleno de renegados atropellados por la carretera. La canción principal: "Knockin' on Heaven's Door" de Dylan, interpretada por el pistolero moribundo Slim Pickens sentado junto al río con su esposa Katy Jurado, dos leyendas del género que observan cómo desciende esa larga nube negra. En una historia tristemente típica, el estudio arruinó por completo la versión de Peckinpah: Pat Garrett tardó hasta el montaje del director de 1988 en ser reconocido como una de sus obras maestras. —RS

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En la última gran película de Michelangelo Antonioni, Jack Nicholson interpreta a un reportero emprendedor, David Locke, tan empeñado en cubrir una revolución en Chad que rápidamente asume la identidad de un traficante de armas fallecido en su hotel. Locke se entreteje en su propia historia mientras sigue el rastro que el hombre muerto dejó atrás, poniéndose en peligro cuando se hace amigo de una mujer (Maria Schneider, aquí anunciada solo como "La chica", ya que todavía eran los años setenta sexistas) que se da a la fuga con él. El Pasajero en el título bien podría ser el espectador que debe entender quién es bueno y quién es malo en este thriller cautivador y matizado que se beneficia de las revelaciones lentas características de Antonioni. —Kory Grow.

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Bienvenidos a la cena de Luis Buñuel, donde puedes irte cuando quieras pero nunca puedes comer. La obra maestra del final de la carrera del cineasta español reúne a un grupo de personas de clase media alta, un quién es quién de las estrellas internacionales de mediados de los 70, incluidos Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel, Bulle Ogier, Stephane Audran y Fernando Rey, para una velada Cuando el anfitrión no está preparado para servirles comida, todos van en busca de una comida comunitaria, solo para encontrarse con terroristas, obispos, soldados que cuentan historias de fantasmas y sueños dentro de sueños dentro de sueños. Curiosamente, ninguno de ellos puede conseguir un bocado para comer en ningún lado. Buñuel siempre fue el eslabón perdido entre André Breton y Monty Python, y esta tonta comedia de modales todavía se siente como su destilación más perfecta entre lo satírico y lo surrealista. Buen provecho. —DF

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El riff neo-noir de Arthur Penn es una obra por excelencia de New Hollywood: una pieza de género clásico, con una nueva capa de pintura y una sensibilidad contemporánea, por no hablar de un final fastidioso. En este caso, el género era la película de detectives dura, pero nuestro gumshoe (Gene Hackman, en su mejor momento) es un ex atleta cornudo, frustrado y perpetuamente decepcionado cuyo código personal profundamente sentido es tanto un anacronismo como su profesión de mala reputación. . Un intercambio de diálogos resume no solo la película, sino la década en general: cuando se le pregunta quién está ganando el partido de fútbol que está viendo en la televisión, Hackman responde con cansancio: "Nadie, un lado está perdiendo más lentamente que el otro". —Jason Bailey.

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El cineasta italiano Federico Fellini se basó a menudo en sus experiencias formativas, pero podría decirse que nunca con tanta eficacia como lo hizo en esta mirada retrospectiva a su juventud en la década de 1930 en Rímini, donde los niños corren salvajemente, la gente del pueblo se gasta bromas unos a otros, todos codician a los locales. las bellezas y las camisas negras de Mussolini comienzan a colarse, lenta pero seguramente, en las provincias. Es igualmente nostálgico por el pasado y cauteloso de sentimentalizarlo, combinando una mirada aterradora sobre el ascenso del fascismo con viñetas que involucran a parientes mentalmente inestables, tradiciones locales excéntricas y un dueño de una tienda de tabaco extremadamente cachondo y rollizo. Esto estableció la plantilla para casi todas las películas de "recuerdos" a seguir, y puedes ver su ADN en todo, desde Roma hasta Armageddon Road. Y es una excelente introducción al estilo singularmente surrealista, soñador y mondo sobremaduro, una estética que le valió al cineasta su propio adjetivo de "Felliniesque". —DF

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Algunas películas tratan la noción de que "siempre lastimas a los que amas" como un pensamiento pasajero: la parábola cáustica y cortante de Rainer Werner Fassbender sobre los masoquistas amorosos lo convierte en un mantra. El increíblemente prolífico director alemán se superó a sí mismo con esta adaptación de su propia obra, sobre una diseñadora de moda (Margit Carstensen) que se enamora perdidamente de una modelo (Hanna Schygulla) y procede a hacerles pasar un infierno a ambos. La dinámica de poder entre la pareja cambia constantemente de un lado a otro; mientras tanto, la sirvienta silenciosa de Petra (Irm Hermann), ella misma enamorada de su empleador, es testigo de todo y se ocupa de sus asuntos diarios. Terminará en lágrimas y, querido Dios, estarán amargadas. No podrías encontrar un mejor ejemplo de rascar la superficie cínica e irónica de Fassbinder y encontrar el sangriento romanticismo que hay debajo. Tampoco, para el caso, un uso más devastador de "The Great Pretender" de Platters. —DF

Si Mel Brooks acababa de lanzar Blazing Saddles en 1974, dayenu. (Para la lectura goyim, eso significa: "hubiera sido suficiente".) En cambio, en un año nos dio tanto ese clásico como esta parodia perfecta de las películas de terror de Universal, un doble golpe de tributos locos al acto mismo de ir al cine. . El nieto del legendario doctor Victor Frankenstein Frederick Frankenstein (Gene Wilder), se pronuncia "frah-ken-steen", se aventura a Transilvania para hacerse cargo de la propiedad de su familia. Se encuentra con todo tipo de personajes espeluznantes, como Frau Blücher [Sonido de caballo], y finalmente ingresa al negocio familiar. Los gags no solo son ganadores tontos ("¿Qué joroba?"), sino que también demuestran la profunda reverencia de Brooks por el cine, específicamente en este caso, el canon de las películas de monstruos de la década de 1930. La película también es una prueba de la creencia de Brooks en el poder de montar un espectáculo, o más bien, "Puttin' on the Ritz", siempre que nada salga mal y asuste al monstruo. —EZ

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Las epopeyas arrebatadoras estaban fuera de moda en el Nuevo Hollywood de los años 70, pero la grandeza cinematográfica estaba viva y coleando en Taiwán. La primera hora de la obra maestra del rey Hu se presenta como una combinación de cuento de hadas y western antiguo, y cuenta la historia del artista provincial Ku Shen Chai (Chun Shih) y su tentativo romance con la princesa fugitiva Yang Hui-ching (Feng Hsu). Luego entra el manejo de la espada y la película se desarrolla en una historia de artes marciales trascendente y emocionante. Sus escenas de lucha de ballet y su mensaje feminista han influido en directores como Ang Lee y Zhang Yimou, confirmándola como una piedra angular del género wuxia. —KR

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El giallo dynamo perfecto para Pantone de Dario Argento puede tocar casas embrujadas, brujas y otros clichés de terror. Pero la forma en que presenta el terror que la estudiante de ballet Suzy Bannion (Jessica Harper) encuentra en un espeluznante internado te hace sentir como si estuvieras en una pesadilla con ella. Cuando un personaje es apuñalado en el corazón, ves un primer plano de un cuchillo perforando un corazón que late; lo mismo con los gusanos y el alambre de púas del guión. En todo momento, el grupo de rock Goblin hace su propio alboroto infernal al convertir el tema de un joyero de bailarina en una de las partituras de terror más inquietantes e inolvidables. No ves Suspiria, lo sientes. -KG

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Puedes vislumbrar las huellas dactilares de la adaptación de Joseph Sargent de la novela de Peter Godey en todo, desde Reservoir Dogs hasta Die Hard, pero sobre todo, es una de las grandes películas de Nueva York. Cuando Mr. Blue (Robert Shaw) les anuncia a los pasajeros del Downtown 6 que él y sus tres cómplices armados tomarán su tren y los tomarán como rehenes, provoca el tipo de risa perpleja que solo se puede obtener en Nueva York. Y solo en Nueva York su trama se desmoronaría a manos de un policía de tránsito como Zachary Garber (Walter Matthau); sus malos modales junto a la cama, su guardarropa arrugado y su rostro como el guante de un receptor brindan una distracción similar a la de Colombo para la destreza investigadora, completamente revelada en una de las mejores tomas finales de todo el cine estadounidense. —JB

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Incluso en un año que trajo películas tan extravagantes como La montaña sagrada de Alejandro Jodorowsky y Belladonna of Sadness de Eiichi Yamamoto, la alucinante parábola de los derechos humanos de René Laloux se destaca. Esta película animada es extrañamente seductora, y no solo porque tanto los imponentes humanoides Draag azules como sus mascotas Oms con apariencia humana están frecuentemente desnudos. Está lleno de extrañas criaturas parecidas a calamares, y la animación es dura y rígida, evitando la expresividad fluida de las películas de Disney. Mientras tanto, la famosa partitura de jazz-funk de Alain Goraguer suena de fondo, haciendo que el proceso parezca una sátira al estilo de Jonathan Swift. Fantastic Planet es la obra más famosa de Laloux; el animador francés dirigió varios cortometrajes y dos largometrajes más (en particular, Gandahar de 1987) antes de su muerte en 2004. —MR

La forma más sencilla de describir este experimento de Errol Morris, dolorosamente conmovedor y despreocupadamente cómico, es que se trata de un documental inexpresivo sobre cementerios de mascotas, que presenta entrevistas con los propietarios y operadores de un negocio en quiebra y otro próspero. Pero esta película es, en última instancia, mucho más. Es un examen franco de los legados familiares, salpicado de vívidos retratos de cómo el ingenuo optimismo estadounidense alimenta la maquinaria trituradora del éxito. Y es un trozo de vida que está enmarcado como una obra de arte, con tomas dispuestas con precisión y adornadas con accesorios llamativos, y luego pobladas por personas que se vuelven filosóficas, no solo sobre gatos y perros, sino sobre el sutiles diferencias entre la vida y la muerte. —Noel Murray.

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La bomba incendiaria blasfema de Ken Russell es el raro ejemplo de una película que en realidad ha sido suprimida por los poderes fácticos. (La película no se proyectó públicamente sin cortes hasta 2004). La avalancha de imágenes depravadas y profanas es el principal culpable de sus bailes con los censores, muchos de ellos relacionados con la bravura actuación de Vanessa Redgrave como una abadesa perversa que acusa al playboy de Oliver Reed. sacerdote de la brujería. Pero las implicaciones políticas de la historia, una crítica mordaz de la corrupción y la hipocresía entre las autodenominadas autoridades morales, son igual de peligrosas. En la visión de Russell, el célibe es el pecador y el libertino el santo, una inversión tan provocativa como la escena frecuentemente cortada en la que Redgrave chupa la herida del costado de Cristo. —KR

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Casi todas las ideas absurdas presentadas en el guión de la Edad de Oro del creador de la estrella de televisión Paddy Chayefsky se han vuelto inquietantemente ciertas en la era de Fox News. Peter Finch y Faye Dunaway ganaron premios Oscar por sus respectivos papeles: un presentador cuyo ataque de nervios en el aire (incluido el icónico "¡Estoy tan enojado como el infierno, y no voy a soportar esto más!") de alguna manera se vuelve él en "el profeta loco de las ondas de radio"; y un ejecutivo de la red de sociópatas que hará todo, incluido el asesinato, para aumentar los índices de audiencia. Dirigida por Sidney Lumet, y con otras actuaciones magníficas de William Holden, Robert Duvall, Ned Beatty y Beatrice Straight (¡quien ganó un Oscar por una escena!), Network es tan hilarante como escalofriante. Lo que comenzó como una sátira se convirtió en una profecía. —Alan Sepinwall.

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Esta comedia de hockey se siente como el punto de demarcación entre la fase de estrella de cine joven y hermosa de Paul Newman y su fase de actor de personaje desgastado (pero aún hermoso). Interpreta a Reg Dunlop, jugador-entrenador de un equipo de ligas menores en decadencia en una ciudad siderúrgica agonizante, que intenta aumentar la asistencia con un estilo de juego nuevo e increíblemente violento, encabezado por los simplistas y despiadados hermanos Hanson. Escrita por Nancy Dowd y dirigida por George Roy Hill, Slap Shot se inclina hilarantemente hacia las toscas personalidades cavernícolas de Reg y sus compañeros de equipo, con Newman interpretando su papel sin el menor rastro de vanidad, y la mezcla de blasfemias y comedia física hacen de este el más divertido película de deportes nunca. -COMO

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Esta emblemática película policíaca británica marca el momento en que los dramas teatrales y de cocina del cine británico de los años sesenta se coagularon en una matonería brutal y gloriosa. Encuentra al gángster londinense Michael Caine a toda velocidad en un tren de regreso a su ciudad natal de Newcastle para resolver la misteriosa muerte de su hermano por intoxicación alcohólica, un viaje que termina en balas y sangre. El director y guionista Mike Hodges basó Get Carter en la novela pulp Jack's Return Home de Ted Lewis, y llena la pantalla con escenas de exteriores grises y nublados y el malestar de la clase trabajadora, y cada personaje parece tener un trauma secreto. En su centro está Caine, que parece irradiar una calma inquieta que solo se rompe con la violencia. -SEÑOR

©UNIVERSAL/COLECCIÓN EVERETT

Una de las primeras películas estadounidenses en analizar fría y duramente las consecuencias de nuestra participación en Vietnam, ganadora del Oscar a la Mejor Película en 1978, sigue a un trío de trabajadores del acero, interpretados por Robert De Niro, Christopher Walken y John Savage, que se alistan en el ejército para luchar en el extranjero. Los tres se convierten en prisioneros de guerra. Dos regresan a casa con heridas físicas y cicatrices psíquicas; uno permanece en el país, reviviendo su trauma POW todas las noches. La epopeya de Michael Cimino se recuerda principalmente por las intensas secuencias del Viet Cong que los obligan a jugar desgarradores juegos de "ruleta rusa". Pero visto ahora, es la primera mitad de la película la que realmente se queda contigo, en la que estos jóvenes y sus compañeros de caza beben, pasan el rato, hablan mierda y se desatan en una boda. Obtienes una idea real de la comunidad obrera de este pequeño pueblo y la camaradería de los hombres, lo que solo hace que el cambio abrupto a los campos de exterminio sea mucho más discordante (imagina ver Diner y que alguien cambie repentinamente el canal a Apocalypse Now a la mitad). Sin embargo, eso refleja a la perfección la sensación de violenta desorientación por la que pasan estos chicos estadounidenses en 'Nam, y la alienación que siente el personaje de De Niro después de regresar a casa. Esta fue también la película que le dio a Meryl Streep su primer gran papel y nos dio la última actuación del gran John Cazale. —DF

COLECCIÓN EVERETT

En parte comedia negra y en parte guía para vivir, la amada película de culto de Hal Ashby está protagonizada por un angelical Bud Cort como Harold, un niño privilegiado sin dirección que pasa sus días asistiendo a funerales de extraños y realizando falsos suicidios para una madre distante (Vivian Pickles). Conoce a Maude (Ruth Gordon), una anciana entusiasta de los funerales que posee un entusiasmo por la vida con el que el morboso Harold solo puede soñar. A medida que se vuelven inseparables, el entusiasmo de Maude se vuelve contagioso, atenuado solo por indicios del duro camino que ha seguido para llegar a los 79 años y la sugerencia de que no tiene mucho tiempo por delante. Desafiante e inspiradoramente ingenua, es una comedia negra que mira a la desesperación a la cara y se atreve a reír. —KP

©ORION PICTURES/COLECCIÓN EVERETT

Esta entrada destacada en la filmografía de Monty Python puede tener una de las mejores escenas finales en la historia de la comedia. La premisa es que Brian Cohen (Graham Chapman) nace en un establo en Jerusalén, justo al lado de donde nació Jesucristo. Se produce mucha hilaridad y, sin revelar lo obvio, digamos que el destino de Brian no es muy diferente al del hijo de Dios. Como Eric Idle le canta al renuente mesías al final, "Siempre mira el lado positivo de la vida"; Desde entonces, la canción se ha convertido en un himno nacional, y Idle la repitió en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Todos los miembros de Python son geniales aquí, y Sue Jones-Davies se destaca como Judith Iscariot. Esté atento a un cameo de George Harrison, quien financió Life of Brian a través de su compañía HandMade Films. -SEÑOR

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Primero de mayo de 1973: un sargento de policía llega a la remota isla escocesa de Summerisle para investigar a un niño desaparecido. Pero se encuentra en una extraña sociedad pagana donde los lugareños bailan alrededor del árbol de mayo, practican antiguos rituales celtas y tienen sexo en los campos. Robin Hardy convirtió a The Wicker Man en la última pesadilla de terror popular, hasta los minutos finales dignos de gritos. Edward Woodward es el tenso policía cristiano, horrorizado por la desnudez en esta isla; Christopher Lee es el afable Lord Summerisle, quien insiste: "Uno siempre debe permanecer abierto a las influencias regenerativas". Es una sátira oscura de las fantasías post-hippie de "regreso a la tierra", donde la posadera es Lindsay Kemp (también conocida como David Bowie y la profesora de mimo de la vida real de Kate Bush) y su lasciva hija es la musa del rock Britt Ekland. La música freak-folk de Paul Giovanni se convirtió en parte de la leyenda de la película. Extrañamente, no hubo un álbum de banda sonora oficial hasta la década de 1990, pero melodías como "Willow's Song" se convirtieron en clásicos de la psicología progresiva muy influyentes. (Como dijo Luke Haines de The Auteurs: "Todas las bandas británicas hacen su álbum Wicker Man".) Tributos como Midsommar simplemente reafirman el poder aterrador del original. ¡Canta, cuco! —RS

RTL II

Esta producción de National Lampoon estableció el patrón de slobs vs. snobs que definiría gran parte de la comedia cinematográfica durante las próximas décadas, y fue, con mucho, el mejor vehículo cinematográfico para los prodigiosos pero específicos talentos cómicos del difunto gran John Belushi. Como Bluto Blutarsky, el bebedor y sucio (en todos los sentidos) miembro de la fraternidad Delta House de mala reputación, la estrella de SNL es una fuerza de la naturaleza tal que no puedes evitar pensar en ella como su película, a pesar de que el compañero Deltas Tim Matheson, Peter Riegert y Tom Hulce tienen papeles más destacados. Es tan carismático que, cuando Bluto pregunta en medio de un inspirador discurso: "¿Se acabó cuando los alemanes bombardearon Pearl Harbor?", nadie quiere interrumpirlo para explicarle. -COMO

FILMPUBLICITYARCHIVE/ARCHIVOS UNIDOS/GETTY IMAGES

Una de las primeras películas importantes de la década de 1970 recordaba uno de los principales acontecimientos de la década de 1960 y, a su manera, el espíritu de toda la década. El director Michael Wadleigh dirigió un equipo de jóvenes cineastas (incluido un Martin Scorsese con cara de bebé) a Bethel, Nueva York, para documentar el festival de música y paz de agosto de 1969; su rodaje fue casi tan caótico como el festival en sí, utilizando múltiples cámaras y exponiendo 50 millas de película durante las actuaciones. Sin embargo, recopilaron impresiones y puntos de vista de los organizadores, los asistentes y los residentes sorprendidos de Bethel, además de capturar a artistas como Santana, The Who, Crosby, Stills & Nash y Jimi Hendrix en su apogeo, y el resultado es un retrato de 360 ​​grados de un acontecimiento culturalmente definitorio. Está ensamblado con una inmediatez de "usted está allí" y energía de coca: las vibraciones son exquisitas y las actuaciones son electrizantes. Con Altamont entre el festival mismo y el estreno de la película, esta legendaria película de concierto ya sonaba, incluso en esas primeras proyecciones, como una nostalgia nostálgica. —JB

COLECCIÓN EVERETT

En el transcurso de dos meses entre 1957 y 1958, un recolector de basura de 19 años llamado Charles Starkweather llevó a su novia de 14 años, Caril Ann Fugate, a una ola de asesinatos en Heartland que dejó 10 muertos y capturó la imaginación del público. La historia sugiere otro thriller de amantes en fuga como Bonnie & Clyde, pero en su primer largometraje, Terrence Malick se dirige en su propia dirección iconoclasta, ignorando el alboroto de las celebridades para centrarse en la relación entre Kit (Martin Sheen) y Holly ( Sissy Spacek), uno un engrasador antisocial con un dedo en el gatillo que pica, el otro un niño aburrido que piensa que se parece a James Dean. El interés de toda la carrera de Malick por el mundo natural le da a Badlands una cualidad soñadora e inocente que contrasta marcadamente con los espasmos de violencia casualmente impactantes. —Scott Tobías.

©20THCENTFOX/COLECCIÓN EVERETT

En un universo alternativo más genial, el riff satírico de Brian De Palma sobre el mito del fantasma de la ópera sería un fenómeno de medianoche al nivel de Rocky Horror Picture Show. Paul Williams (quien escribió la mayoría de las canciones de este musical de culto) interpreta a un productor diabólico cuyos planes son abrir una nueva sala de conciertos con una versión de ópera rock de Fausto; sus planes se ven frustrados, sin embargo, por el cantautor destrozado (William Finley) que acecha el lugar. Puede que De Palma haya estado al principio de su carrera, pero aun así desató todo su arsenal de trucos estilísticos (las pantallas se dividen como locos) y mostró su voluntad de morder con fuerza la mano que lo alimenta. -CALLE

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En la campiña española de 1940, una niña de seis años llamada Ana (Ana Torrent) se ve obsesionada por Frankenstein, una película cuyo significado le cuesta entender pero que parece profunda en formas que no puede entender del todo. Después de que Ana se hace amiga y ayuda a un soldado republicano que se refugia en un redil desmoronado, le da a Frankenstein un significado de su propia invención, incorporando su visión de un monstruo amable e incomprendido a su creciente comprensión de la muerte, la desilusión y los primeros indicios de descontento. . Ambientada poco después de la conclusión de la Guerra Civil española y el ascenso de Francisco Franco (y estrenada en los últimos años del régimen de Franco), el debut meditativo y visualmente exuberante del director Víctor Erice funciona tanto como una historia universal sobre el fin de la inocencia infantil como descripción de cómo la complacencia abrió la puerta al autoritarismo y la obligación de la siguiente generación de cerrarla de nuevo. —KP

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Anticipándose a la ola viscosa de nostalgia de los engrasadores que empaparía los años setenta desde Fonz hasta Grease, el cineasta George Lucas escribió American Graffiti sobre los días felices de 1962, el año en que cumplió 18 años, cuando los gatos geniales recorrían la franja para recoger chicas. , carrera de resistencia, policías de broma y hablar basura. Un elenco nítido que incluía a Richard Dreyfus, Ron Howard, Harrison Ford, Cindy Williams y Paul Le Mat sacó a relucir el aburrimiento adolescente y pueblerino de los personajes mientras se preparaban para "salir finalmente de este pueblo de pavos" (palabras de Howard. ) En medio de todas las travesuras ("Tu auto es más feo que yo", dice Mackenzie Phillips, de 13 años), también hay momentos de verdadero corazón, como la secuencia final de alta velocidad. Además, la película cuenta con lo que les faltaba a todos los imitadores: Wolfman Jack. -KG

La inmediatez y la intimidad son componentes cruciales en tantos grandes documentales, pero el potente debut de Barbara Kopple es una clase magistral para acercar al público a la vida de sus sujetos, haciendo que sus luchas sean tan palpables como las nuestras. Nos lleva al frente de la tensa huelga emprendida por los mineros del carbón de Kentucky a principios de la década de 1970, cuando se enfrentaron a Duke Power Company, dirigida por el monstruosamente cruel Carl Horn. Dejando a un lado los clichés condescendientes sobre la vida de la clase trabajadora, la película se erige como un tributo al trabajo honesto, presentando la decencia contundente de los estadounidenses comunes y corrientes obligados a soportar peligrosas condiciones mineras mientras apenas pueden mantenerse económicamente a flote. Es conmovedor en su simplicidad, nunca más que cuando la activista y compositora Florence Reece ofrece una interpretación poderosamente espartana de "¿De qué lado estás?" — y tan apasionante como un thriller una vez que Duke Power comienza a amenazar la vida de los trabajadores en huelga. La cámara de Kopple está ahí para capturar el terror y el caos. Hay pocas dudas de qué lado estarás en esta confrontación de David y Goliat. —Tim Grierson

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Francois Truffaut pasó la mayor parte de su carrera inicial haciendo películas sobre un joven cinéfilo (¡Grande Antoine Doinel!) y/o películas dedicadas a emular los estilos de sus ídolos de autor. En 1973, finalmente abordó el tema de la realización de películas en sí, y nos dio lo que puede ser la crónica más apasionante y poética de capturar la magia 24 fotogramas por segundo. Comenzando con su famosa toma de grúa de apertura, Day for Night (el título en sí mismo se refiere a un truco cinematográfico ilusorio) utiliza una filmación falsa para correr el telón sobre la agonía y el éxtasis de contar historias con una cámara, un equipo y una noción torcida. del cine como forma de arte. Sin embargo, incluso cuando el director en pantalla de Truffaut, Ferrand, está luchando por plasmar su visión en la pantalla o lograr que sus estrellas (a saber, Jean-Pierre Léaud y Jacqueline Bisset) den en el blanco, la película nunca trata el puro trabajo de hacer cine como algo menos que un milagro. Es a la vez una exposición sobre cómo se hace la salchicha cinematográfica y una carta de amor a aquellos lo suficientemente valientes o tontos como para hacer salchichas al mismo tiempo. —DF

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Ivan (Jimmy Cliff), un don nadie con sueños de estrellato musical, regresa a Kingston con la esperanza de ser visto. Graba un tema de reggae, uno que está seguro será un éxito, llamado "The Harder They Fall". Pero las restricciones de la autoridad (la iglesia, los disc jockeys, la policía) siguen siendo hostiles a este forastero. Ivan se convierte en un forajido después de asesinar a un policía. Irónicamente, la notoriedad lo catapulta al estrellato. La película rebelde de Perry Henzell inicialmente luchó por encontrar una audiencia: en su mayoría se proyectaba en espacios de películas de medianoche, mientras que sus acentos requerían subtítulos para los cines estadounidenses. Sin embargo, lo que no necesitó traducción fue la música reggae y la banda sonora de la película, que presenta éxitos seminales como la canción principal, "Many Rivers to Cross" y "You Can Get It If You Really Want", presentó las vistas únicas de Jamaica, sonidos, y gente al mundo dispuesta a devorarlo. —RD

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Un verdadero epitafio para los años setenta: "Esta vida es dura, hombre. ¡Pero es más difícil si eres estúpido!" Peter Yates hizo esta película de gángsters antiglamurosa y enormemente influyente sobre los ladrones irlandeses de poca monta de Boston, tipos como Eddie "Fingers" Coyle (Robert Mitchum), un perdedor traficante de armas cansado del mundo, que escupe proverbios callejeros como: "Nunca pregúntale a un hombre por qué tiene prisa". Estos muchachos de la raqueta son fiambres de trabajo; nadie los compara con el Imperio Romano. Yates rodó en locaciones de cafeterías, antros, boleras, con atención a los detalles locales basados ​​en la novela de George V. Higgins. El elenco estelar tiene a Peter Boyle, Alex Rocco y Steven Keats, que se roba la escena, como un capullo engreído al estilo de Mick Jagger en un Plymouth Road Runner del 71. Eddie Coyle fue la primera de las películas de la mafia irlandesa de Boston (habría algunas más de donde salió esta), pero nunca ha sido superada. —RS

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Mucho antes de que la "masculinidad tóxica" se convirtiera en material para la fábrica de artículos de opinión, el director Mike Nichols entregó uno de los retratos más desagradables de hombres malos que jamás se hayan enviado al celuloide. Trabajando a partir del despectivo guión de Jules Feiffer, Jack Nicholson y "Arthur" Garfunkel interpretan a los compañeros universitarios Jonathan y Sandy, cada uno de ellos suspirando por alumnas bonitas y compitiendo para demostrar su arrogancia sexual. Susan, interpretada por Candice Bergen, se convierte en la novia relativamente más sensible de Sandy, pero pronto, el intrigante Jonathan la quiere para él. Esto pone en marcha un estudio de décadas sobre la crueldad, la inseguridad y la competitividad de estos hombres, que a menudo se dirige a mujeres inocentes (incluida Ann Margaret, cuyo papel merecidamente le valió una nominación al Oscar) que tienen la mala suerte de cruzarse en su camino. Despiadadamente interpretada e implacablemente sombría, Carnal Knowledge extrae sus risas oscuras de la miseria de Jonathan y Sandy, esta sátira venenosa que se burla alegremente de los frágiles egos masculinos en peligro por el entonces floreciente movimiento de liberación de la mujer. —TG

Hacia el comienzo de la película de protesta de 1971 de Melvin Van Peebles, el artista de espectáculos sexuales Swwet Sweetback termina matando a un par de policías cuando su brutalidad hacia un activista negro va demasiado lejos. Eso pone a nuestro héroe en un camino quijotesco a través de los bajos fondos de Los Ángeles, donde se encuentra con estafadores, trabajadoras sexuales, Hell's Angels y más cerdos racistas en su camino hacia la libertad en México. La actitud de lobo solitario del personaje refleja la del propio Van Peebles, quien abandonó un trato con Columbia Pictures para hacer una película independiente que es cruda y revolucionaria tanto en forma como en contenido. Terminó convirtiéndose en una de las películas independientes más exitosas jamás realizadas, ayudó a crear un género y ha sido citada por todos, desde Huey Newton hasta Spike Lee, como un llamado cinematográfico a las armas. —KR

©UNITED FILM DISTRIBUTION/EVERETT COLLECTION

En 1968, La noche de los muertos vivientes de George Romero dio a luz a la película moderna de zombis y demostró, aunque fuera accidentalmente, que los enjambres de muertos vivientes podían ofrecer un oscuro reflejo de los tiempos que los crearon. Una década más tarde, estaba listo para aprovechar verdaderamente las oscuras y satíricas posibilidades de los muertos vivientes con esta secuela de su clásico de terror. Cuando un cuarteto de sobrevivientes recupera un centro comercial de Pittsburgh en medio de una zona de peligro de hordas de zombis, lo convierten en un paraíso de consumismo propio mientras hacen todo lo posible para aislarse del mundo exterior. Su peligrosa existencia sirve como una metáfora perfecta para una década que había dejado atrás el idealismo de la década de 1960 y los límites de los placeres materialistas y ciegos, aunque Romero tampoco escatima exactamente en los zombis tambaleantes o la sangre impactante. —KP

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El melodrama punitivo de Ingmar Bergman está empapado en la sangre de las emociones desatadas. Las tarjetas de título de apertura son de color rojo brillante, al igual que las paredes de la finca sueca del siglo XIX donde una mujer, Agnes (Harriet Andersson), se está muriendo de cáncer. Sus dos hermanas, Maria (Liv Ullman) y Karin (Ingrid Thulin), esperan su muerte, perdiéndose en recuerdos de traumas pasados. María recuerda cómo su infidelidad llevó a su marido a apuñalarse; Karin admite pensamientos suicidas, pensando en un incidente en el que se mutiló a sí misma con un vidrio. Cuando su marido la ve, se mancha la cara con sangre. La obra de Bergman está llena de temas psicológicamente cargados, pero pocos son tan incómodamente íntimos y fascinantes como este. -SEÑOR

COLECCIÓN EVERETT

Hablemos de una joya perdida del cine de los años 70 que está lista para redescubrirse: el docudrama del escritor y director Floyd Mutrux adopta una actitud comprensiva, pero realmente inquebrantable, ante la vida de los yonquis, eligiendo a un puñado de usuarios reales para recrear escenas de bandas sonoras, robos y raspaduras para salir adelante. Entre estas viñetas arenosas, tiene otros adictos que dan testimonios directos a la cámara. Todo pinta una imagen desgarradora de la vida en las calles de Los Ángeles, que funciona como una instantánea de los años sesenta idealistas que se deslizan, o mejor dicho, descienden en espiral, hacia los años setenta. Y el increíble uso que hace la película de la radio pop de Los Ángeles como un coro griego constante en la banda sonora similar de Quentin Tarantino durante el tiempo de conducción en Érase una vez... en Hollywood. —DF

COLECCIÓN EVERETT

Ella es una enfermera de la sala de emergencias en Los Ángeles que busca venganza después de que su hermana se enganche a la droga... y créenos, no querrás meterte con ella. Ataviada con un enorme afro y tacones más altos que los más altos, Pam Grier nos ofrece nada menos que la primera superheroína negra, enfrentándose a los proxenetas, traficantes, policías corruptos y políticos que pudren las ciudades del interior de Estados Unidos. Con grandes puñetazos, patadas amplias, un rifle recortado de acción de bomba y guiños de una sola línea pronunciados con una frialdad desenfrenada, Grier demostró que el juego Blaxploitation-flick no era solo para hombres. Las mujeres negras también podrían acabar con el sistema. —RD

©20THCENTFOX/COLECCIÓN EVERETT

Breaking Away, una historia divertida y conmovedora sobre la mayoría de edad y una inspiradora película de deportes desvalidos, sigue a un cuarteto de amigos que buscan dirección en sus vidas en el año posterior a graduarse de la escuela secundaria. Dave (Dennis Christopher) está tan desesperado por escapar de su vida deprimente como "cortador" (el apodo burlón que los deportistas de la cercana Universidad de Indiana les dan a los habitantes de la ciudad) que comienza a hablar, actuar y andar en bicicleta como los grandes ciclistas italianos que admira. Eventualmente, él y sus amigos (incluido un Dennis Quaid joven y nunca tan bueno como un exmariscal de campo amargado) terminan compitiendo contra sus rivales universitarios en Little 500. Una película encantadora que funciona en todos los niveles, incluido el gran trabajo de Paul Dooley y Barbara Barrie como los padres amorosos pero desconcertados de Dave. -COMO

TRANSACCIONES DE MEDIOS/COLECCIÓN EVERETT

El enigmático drama de ciencia ficción de Andrei Tarkovsky, una adaptación libre de la novela Roadside Picnic, es una búsqueda épica que se trata tanto del viaje físico como del terreno psíquico que atraviesan los personajes. Un hombre conocido simplemente como el Acechador (Alexander Kaidanovsky) guía a dos hombres, el Escritor (Anatoly Solonitsyn) y el Profesor (Nikolai Grinko), a través de un crudo paisaje post-apocalíptico llamado Zona en busca de la Habitación, un reino misterioso en el que supuestamente se pueden conceder los deseos de los individuos. Deja que los ritmos lentos y meditativos de esta película te absorban, y que la parábola ambigua de la historia sobre la religión, la muerte y el renacimiento se abra camino a través de tu mente y alma, y ​​Stalker emerge como una de las metáforas más inquietantes de Tarkovsky sobre la naturaleza frágil y buscadora de la humanidad. Estos tres hombres ingresan a la Zona pensando que saben lo que encontrarán, solo para que sus expectativas se hagan añicos. Cualquiera que se encuentre con Stalker sabrá exactamente cómo se siente. —TG

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Stanley Kubrick continuó sus obras maestras que definen el espíritu de la época Dr. Strangelove, 2001 y La naranja mecánica con esta adaptación de William Makepeace Thackeray, un drama histórico literario que, en cierto modo, es tanto el más "normal" como el más desafiante. Ryan O'Neal interpreta a un intrigante pícaro irlandés que tiene una serie de aventuras episódicas en la Europa de mediados del siglo XVIII, observando de primera mano lo absurdo del sistema de clases europeo mientras intenta asegurar su lugar dentro de una aristocracia escéptica. Los interiores iluminados por velas y los exteriores a la luz del crepúsculo son asombrosamente hermosos, y la película se toma su tiempo para permitir que los espectadores vivan dentro de ellos por un tiempo, experimentando el ritmo más lento y el salvajismo social del pasado lejano. -NUEVO MÉJICO

COLECCIÓN EVERETT

La paranoia y el egoísmo cobarde son las fuerzas impulsoras de este aturdidor de mediados de los años 70, anclado por la química fenomenal entre las estrellas Peter Falk (Mikey, el responsable) y John Cassavetes (Nicky, el comodín). La película es técnicamente un drama de gángsters, pero está más impulsada por los personajes de lo que la etiqueta implica: se desarrolla en una sola noche, mientras los personajes principales revolotean por el centro de la ciudad de Filadelfia tratando de evitar al asesino a sueldo que Nicky está convencido de que lo persigue. La película combina la comedia sardónica de la escritora y directora Elaine May con el interés de Cassavetes en la masculinidad volátil, comenzando con una inquietud enconada y construyendo una aceptación resignada. Al igual que con gran parte del trabajo de May, los enfrentamientos con el estudio llevaron a conflictos entre bastidores, y el resultado la llevó a la cárcel del director durante una década. Ahora se considera su obra maestra. —KR

COLECCIÓN EVERETT

¿Ha parecido alguna vez la revolución sexual tan agotadora (o agotada) como en la sátira de Hal Ashby de las costumbres de finales de los 60? No es sorprendente que George Roundy, un peluquero en motocicleta interpretado por el escritor, productor y estrella Warren Beatty, que se burla hábilmente de su propia reputación como el semental residente de New Hollywood, sea capaz de cortejar de manera convincente a cualquier número de mujeres de Beverly Hills para acostarse. . (Quiero decir, ¡esa cabellera por sí sola es un afrodisíaco!) Es la forma en que este himbo parece estar constantemente perdido y distraído mientras juega de conquista en conquista, con el secador de pelo metido en el cinturón como un pistolero. La emoción se ha ido, excepto que la persecución sigue y sigue. Hay una amargura tan deliciosa que Beatty y su coguionista, Robert "Chinatown" Towne, le dan a esta farsa de dormitorio de Me Decade. Puede estar ambientada en 1968 en la víspera de la elección de Nixon, pero es en gran medida una película de resaca de los años 70, con los ojos nublados por las consecuencias de las nuevas libertades. El reparto coral (que incluye a Julie Christie, Goldie Hawn, Jack Warden, una jovencísima Carrie Fisher y Lee Grant, que ganó un Oscar) es perfecto. La película en sí, para citar a George, es "genial, nena. Simplemente genial". —DF

CORTESÍA COLECCIÓN EVERETT

Sylvester Stallone escribió el guión, sobre un boxeador que nunca tuvo una pelea por el título improbable contra el extravagante campeón Apollo Creed (Carl Weathers), como un escaparate de una industria que aparentemente no lo necesitaba. Se convirtió en mucho más que eso, ganando el Oscar a la Mejor Película en 1976 (superando a All the President's Men y Network), convirtiendo a Stallone en una estrella de la lista A y esencialmente inventando el género de películas deportivas desvalidas como lo conocemos hoy. Entre la conmovedora partitura de Bill Conti, las memorables secuencias de entrenamiento y lucha del director John G. Avildsen, y la sorprendentemente efectiva aproximación de Stallone a Brando en On the Waterfront, ¿es de extrañar que la franquicia (en la forma de las películas de Creed) siga yendo casi ¿50 años después? -COMO

COLECCIÓN EVERETT

La trama es simple: un paciente psiquiátrico enmascarado (Michael Myers) que una vez asesinó a su hermana (en Halloween, por supuesto) escapa a una institución mental. Regresa a su ciudad natal y comienza a apuñalar a las niñeras. La historia básica, junto con la actuación estelar de Jamie Lee Curtis como Laurie Strode, hizo de la película de bajo presupuesto un éxito de taquilla sorpresa. La película nunca explica por qué Myers se embarca en su alboroto (la historia de fondo que lo involucra a él y a Strode apareció más tarde en las secuelas) y es la aleatoriedad de la misma, junto con la cinematografía claustrofóbica de la película y la partitura fuera de lo común del director John Carpenter, lo que aprovechó la atención de los cinéfilos. vulnerabilidad innata. Las víctimas podrían ser cualquiera, y algo así de horrible podría pasarte a ti. El atractivo fue claro (juego de palabras). -KG

©PARAMOUNT/COLECCIÓN EVERETT

En este melodrama encantadoramente melancólico, Richard Gere y Brooke Adams interpretan a trabajadores inmigrantes que planean estafar a un granjero moribundo (Sam Shepard) para quitarle su fortuna, pero temen que los echen de su idílica propiedad si se entera de la verdad. El guionista y director Terrence Malick describe este trágico triángulo amoroso con las palabras de una adolescente grosera (Linda Manz), que narra la historia sin entenderla realmente. La interpretación irónicamente irónica de la película sobre la codicia, la necesidad y lo que realmente significa "paraíso" está respaldada por algunas de las imágenes visualmente más deslumbrantes del cine de los años 70, supervisadas por los directores de fotografía Haskell Wexler y Néstor Almendros. El resultado es una obra maestra singular que exigió tanto de su creador que no hizo otra película durante 20 años. -NUEVO MÉJICO

COLECCIÓN EVERETT

El documental verité de Albert y David Maysles te coloca junto a Big y Little Edie Bouvier Beale, los parientes de Jackie O que, cuando llegaron los cineastas, vivían en la miseria en su mansión de los Hamptons. Las circunstancias de la existencia de los Edies, tal como se describen en Grey Gardens, son abrumadoramente sombrías, pero los Maysles (y el público) también están cautivados por el espíritu incontenible de Little Edie. Su moda extravagante, números musicales y palabras de vocabulario (ver: "firme") han sobrevivido en actuaciones y parodias de drag queen, pero la película da contexto a sus rutinas de ondear banderas. Son un acto de hacer frente a lo que es esencialmente una situación condenada y abusiva. Sus travesuras son graciosas, sí, pero también llenas de tristeza y en esa tristeza hay una imagen de lo que muchos creían que era una gran familia estadounidense en declive. —EZ

COLECCIÓN EVERETT

Se podría decir que Alguien voló sobre el nido del cuco fue cuando Jack Nicholson, un actor principal de magnífica complejidad, se convirtió en "Jack", una sonriente estrella ganadora de un Oscar en la constelación de Hollywood. Esta adaptación del best-seller de Ken Kesey de 1962 gira en torno a Nicholson como el delincuente de poca monta Randle McMurphy, quien se abre paso con zalamerías en un hospital psiquiátrico de Oregón para evitar pasar un tiempo difícil por agresión. Está en casi todas las escenas, burlando a Louise Fletcher como la enfermera Ratched, encantando a otros pacientes como Brad Dourif y Danny DeVito, y haciéndole el amor al público con destreza. Incluso si no explora las mismas profundidades embrujadas que éxitos pasados ​​como Five Easy Pieces y Chinatown, todavía deslumbra mientras se rebela contra un sistema que inevitablemente lo aplasta. -SEÑOR

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Una pareja británica (Donald Sutherland y Julie Christie) pierde a su única hija en un accidente por ahogamiento. Cuando van a Venecia para aliviar su culpa y dolor, una serie de asesinatos en serie se apoderan de la ciudad. ¿Qué tiene que ver una cosa con otra? En el escalofriante thriller psicológico de Nicolas Roeg, todos están atrapados en la misma pesadilla, atados por un impermeable rojo y la inquietante interacción entre un pasado que esta pareja está ansiosa por olvidar y un presente que sigue recordándoles su trauma. El estilo de edición audazmente asociativo de Roeg da sus frutos en una de las escenas de sexo más candentes de la época, en la que una sesión de hacer el amor se intercala con la pareja volviéndose a poner la ropa, y una verdadera revelación culminante que te dejará sin aliento. -CALLE

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Hay películas que aprovechan la paranoia de la época, y luego está la madre de todos los thrillers de conspiración de Alan J. Pakula, centrada en un periodista (Warren Beatty) que se topa con un misterio relacionado con el asesinato de un destacado senador durante una aparición pública. El perpetrador encaja en el perfil tradicional del asesino "lobo solitario"... sólo que parece encajar demasiado bien. El hecho de que todos los testigos del evento pronto sean encontrados muertos lo hace mucho más sospechoso. El chismoso de Beatty comienza a tirar del hilo y pronto descubre una corporación que puede o no ser responsable de una cantidad de exterminios sancionados por el estado. ¿Adivina quién tiene un objetivo en la espalda ahora? Realizado una década después de los hallazgos de la Comisión Warren sobre el asesinato de Kennedy y publicado en la víspera de Watergate, esta mirada a la forma en que los poderes fácticos mantienen su posición no podría sentirse más de su tiempo o más contemporáneo. Y la escena del lavado de cerebro, en la que un revoltijo de imágenes altera el sentido del bien, el mal y el yo de un posible asesino, sigue siendo una de las secuencias más escalofriantes de los años 70. —DF

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Di "películas de kung fu" y ¿cuál es la primera imagen que te viene a la mente? Un Bruce Lee sin camisa, con cicatrices en el pecho y las manos en posición de pelea. Después de haber hecho un tiempo en la televisión como el compañero de Green Hornet, la estrella chino-estadounidense se fue al este a principios de la década de 1970 para protagonizar una serie de películas para la productora de Hong Kong Golden Harvest. Los resultados, The Big Boss (1971) y Fists of Fury (1972), lo convirtieron en un nombre familiar en toda Asia. Hollywood quería atraer a la estrella más grande del continente, por lo que se inventó una historia sobre un agente encubierto que se infiltra en un torneo de lucha de villanos infames. El resto es historia. Enter the Dragon consolidaría el legado de Lee como algo cercano a un superhéroe de la vida real, y ver al hombre atravesar a docenas de hombres en una ráfaga de puños, pies, bastones y nunchakus es entender cómo convirtió las artes marciales en un fenómeno global. . La batalla final, en la que Lee lucha contra su némesis con garras de metal en un salón de espejos, sigue siendo un éxito de todos los tiempos. —DF

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La más mordaz de las muchas colaboraciones en pantalla del cineasta John Cassavetes y la actriz Gena Rowlands, este drama volcánico sigue siendo uno de los grandes retratos del desmoronamiento mental y la discordia marital. Rowlands interpreta a Mabel, una madre del sur de California que apenas se mantiene unida, lo que hace que tanto sus hijos como su temperamental esposo Nick (Peter Falk) se preocupen de que finalmente se rompa en cualquier momento. El desordenado realismo teatral de Cassavetes nunca fue más potente, lo que permitió a su brillante esposa explorar todo el dolor, la confusión y la ardiente independencia de Mabel, mientras la cámara intentaba desesperadamente mantenerse al día con la apasionada imprevisibilidad de la estrella. Pero debajo del caos superficial de esta película hay un reflejo compasivo y estrictamente enfocado de una era en la que las mujeres estaban irritadas por las restricciones patriarcales que se les imponían. Mabel y Nick pelean tan violentamente porque, en el fondo, se aman enormemente: Rowlands y Falk hacen que cada gemido de angustia y cada recriminación entre lágrimas golpeen con una fuerza conmovedora. —TG

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La belleza de los Rolling Stones provenía de su adopción hedonista del espíritu de sexo y peligro del rock. El horror de este documental proviene de su visión clara del poder cinético en vivo de la banda, que podría ser tanto hipnótico como aterrador en su intensidad. Gimme Shelter es mejor recordado por su final escalofriante: la muerte de la asistente al concierto Meredith Hunter en el show gratuito de los Stones en 1969 en Altamont, pero en todo momento, los directores Albert Maysles, David Maysles y Charlotte Zwerin crean un sentido fascinante de la energía oscura de la banda, que sugiere liberación y nihilismo. Y la toma de reacción final de Mick Jagger es inquietante. —TG

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¿Se puede seguir llamando comedia romántica a una película si hace que enamorarse parezca ridículo? Para su segunda película como directora, la influyente comediante de improvisación Elaine May realizó una disección despiadada de las costumbres y los rituales de apareamiento de la clase media estadounidense, basada en un cuento de Bruce Jay Friedman y adaptado por el guionista Neil Simon. Charles Grodin es hilarantemente grosero, interpretando a un recién casado que cree que finalmente ha encontrado a su alma gemela (Cybill Shepherd) durante su luna de miel con su esposa (Jeannie Berlin). En la era del amor libre, esta mordaz sátira social parodiaba brillantemente la forma en que algunos hombres privilegiados tomaban "si se siente bien, hazlo" como una licencia para hacer miserables a las mujeres. -NUEVO MÉJICO

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Ningún artista cambió el arte de la comedia en vivo en la década de 1970 como Richard Pryor, quien se transformó de un imitador desdentado de Bill Cosby en la década anterior a un talento único en una generación que rompe tabúes, igualmente y abrasadoramente honesto en sus exploraciones de males sociales y complejos personales. Su gira de 1978 fue inmortalizada en una película por el director Jeff Margolis, quien capturó el cómic en el apogeo de sus poderes y proporcionó a los consumidores de sus brillantes álbumes de los años 70 el acompañamiento visual que necesitaban. Pryor no solo cuenta chistes o historias graciosas; se convierte en el sujeto de su material, transformándose en perros, caballos, monos, llantas de automóvil, sus hijos y (lo más devastador) personas blancas. Pauline Kael la llamó "la más grande de todas las películas grabadas", y no se equivocó. —JB

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Sin faltarle el respeto a la magnífica versión teatral de 167 minutos estrenada en los Estados Unidos, pero la asombrosa exploración del maestro sueco Ingmar Bergman de una pareja que se está desenamorando alcanza alturas aún mayores en su forma original de miniserie de 281 minutos. De cualquier manera, Liv Ullmann y Erland Josephson dan vida a sus infelices personajes, Marianne y Johan, articulando el dolor y la necesidad de dos personas que, incluso después de que su matrimonio implosiona y se aferran a nuevas parejas, se encuentran atados el uno al otro. Bergman se basó en el descontento que vio a su alrededor, incluso en sus propias relaciones fallidas, para contar esta historia cruel pero humana, que trataba el divorcio como un fenómeno tan fascinante como el amor a primera vista. A pesar del dolor que se han causado el uno al otro, Marianne y Johan tienen dificultades para dejarlo ir. Bergman sin duda entendió sus complicadas emociones de memoria. —TG

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Una atmósfera general de estancamiento impregna la ópera prima de Tobe Hooper en 1974 como el olor a carne podrida. (Según los informes, el set de la película, caracterizado por una ingenua imprudencia muy propia de su época, también olía bastante mal). de caníbales de zonas remotas, liderados por el corpulento y grotesco Leatherface de Gunnar Hansen, que persiguen a adolescentes que gritan a través de la maleza del este de Texas. También estableció un arquetipo, en la forma de la obstinada actuación de Marilyn Burns como la "última chica" Sally Hardesty. —KR

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El debut cinematográfico de David Bowie llegó en un momento propicio para que el cantante interpretara a alguien desvinculado de la vida en la Tierra pero en peligro de ser víctima de la atracción de la gravedad. Realizada en una era en la que Bowie vivía con una dieta que consistía principalmente en cocaína, leche y arcanos místicos, esta película de Nicolas Roeg lo presenta como Thomas Jerome Newton, un frágil visitante de un planeta asolado por la sequía que busca hacer una fortuna en la Tierra. como un medio para salvar su planeta natal y la familia que dejó atrás. El material de origen, una novela de Walter Tevis, usó su premisa para explorar cómo el genio queda subsumido por la adicción y otros placeres terrenales. La adaptación de Roeg mantiene esos temas mientras agrega capas alucinatorias que convierten a la América de los 70 en una fantasía en la que el pasado y el futuro siguen colapsando en el presente, como se ve a través de los ojos de una criatura que cree erróneamente que es solo un visitante, y no un prisionero. . —KP

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El clásico viaje por carretera independiente de Monte Hellman es el cine negro existencial definitivo, protagonizado por dos estrellas de rock en un Chevy 150 de 1955: James Taylor es el conductor, el baterista de los Beach Boys, Dennis Wilson, es el mecánico. Son un par de estafadores hippies que llegan a una nueva ciudad, recorren los puntos locales de autos potentes en busca de tontos y luego engañan a algún objetivo en una carrera de resistencia de alto riesgo. Laurie Bird es la autoestopista que recogen en la Ruta 66. Warren Oates es el extraño en un GTO que se abre camino en su viaje; en una escena tensa, Oates los rescata de los campesinos sureños que odian a los hippies con un poco de cautela. ("Claro que hablé contigo". "Claro que te vi"). Tanto para Wilson como para Taylor, fue una oportunidad única en el cine, pero ambos son fascinantes. Si todo lo que sabes de JT es su imagen de "Sweet Baby James", su carisma melancólico aquí podría sorprenderte; no es de extrañar que Joni Mitchell lo visitara en el set y se quedara con los retratos de For The Roses. Two Lane Blacktop se trata de carreras que nadie gana, en una carretera de la que nadie escapa. —RS

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Robert De Niro ha estado en películas durante tanto tiempo que es fácil olvidar una época en la que era una joven estrella nerviosa, impredecible y casi peligrosamente magnética. Su introducción en cámara lenta a "Jumpin' Jack Flash" en la exitosa película de Martin Scorsese, entrando a un bar con una chica debajo de cada brazo, es uno de los momentos cinematográficos más emocionantes de la década, dando inicio a una colaboración que siempre rebosaba volatilidad y explosividad. potencial. Como un inútil de los rincones más sórdidos de Little Italy de Scorsese, su Johnny Boy condena al matón de poca monta de Harvey Keitel, que no puede dejar de darle segundas oportunidades hasta que el caos que lo sigue constantemente finalmente se las traga por completo. -CALLE

© ARTISTAS UNIDOS/COLECCIÓN EVERETT

Cuidado con un santo tonto. La sátira de fábula de Hal Ashby nos presenta a Chance (Peter Sellars), un hombre ingenuo que disfruta de los placeres simples, como ver la televisión y cuidar el jardín de su tutor. Pronto se ve obligado a evacuar su antiguo hogar y, después de un encuentro "casual" con la limusina de una rica dama de la alta sociedad (Shirley MacLaine), se convierte en el invitado de su esposo magnate enfermo terminal (Melvyn Douglas). Chance, el jardinero, finalmente se convierte en "Chauncey Gardiner", un elemento básico de la alta sociedad de Washington DC; su repetición de eslóganes televisivos y lugares comunes sobre plantar rosales se considera sabiduría popular políticamente inteligente. Incluso el presidente de los Estados Unidos (Jack Warden) comienza a buscar su consejo. El novelista y guionista Jerzy Kosinki claramente tiene un hueso para elegir con la cultura de las celebridades, la influencia de la televisión en la vida cotidiana y los jugadores de poder tan desesperados por ser marcados que confundirán las declaraciones inconscientes de un hombre con discapacidad mental con el intelectualismo del nivel de un grupo de expertos. Sin embargo, la amabilidad que Ashby y Sellars, especialmente Sellars, muestran a este personaje contrarresta la gran cantidad de cinismo que se muestra. La secuencia culminante, interpretada de la manera más casual posible, sigue siendo lo suficientemente desconcertante como para provocar discusiones sobre lo que Ashby & Co. quiso decir con respecto a la parte "sagrada" de la ecuación. Lo que podemos decir es que es el tipo de final que solo podría haber ocurrido al final de la era cinematográfica de los años 70, antes de que la próxima década dejara de lado cosas como los matices y la ambigüedad. —DF

©LUCASFILM LTD./COLECCIÓN EVERETT

Durante la primera mitad de la década de los 70, Hollywood convirtió los westerns, el terror, las películas de gánsteres y casi todos los demás géneros de películas de serie B en algo sombrío y socialmente relevante. Luego llegó George Lucas con una saga de ciencia ficción trepidante y agradable, inspirada en samuráis, superhéroes y pilotos de combate de la Segunda Guerra Mundial. Su historia sobre un granjero entusiasta llamado Luke Skywalker (Mark Hamill), que aprende los caminos de la Fuerza y ​​ayuda a salvar la galaxia de un Imperio opresor, lanzó una franquicia multimillonaria y cambió toda la industria de los éxitos de taquilla. Y todo gracias a una idea simple: ¿Qué pasaría si alguien aplicara la inteligencia, el arte y el entusiasmo de las películas de arte al entretenimiento para complacer a la multitud? -NUEVO MÉJICO

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Desde la primera vez que ves el espeluznante reflejo del maestro de ceremonias de Joel Grey, con la cara pintada con los colores antinaturales de un payaso, reconoces que el drama de Bob Fosse te está arrastrando a un inframundo como ningún otro. Si All That Jazz es el exorcismo personal de Fosse, Cabaret es su sesión demoníaca, ya que da vida al mundo de la República de Weimar que lentamente está siendo infectado por el nazismo. El director tomó la producción teatral de 1966 con música de John Kander y Fred Ebb, basada en una obra adaptada de las historias de Christopher Isherwood, e inventó una nueva plantilla para la película musical. La historia de Sally Bowles (la icónica Liza Minnelli) opera en dos planos de existencia: está el mundo del Kit Kat Club, una especie de espacio liminal para los números musicales, y el mundo real entre comillas donde el hedonismo alegre de La vida de Sally cede el paso al fascismo. Es una película que es tan escalofriante como emocionante. —EZ

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El 22 de agosto de 1972, tres ladrones de bancos de la vida real intentaron llevar a cabo un atraco para pagar la operación de cambio de sexo del amante del autor intelectual John Wojtowicz. Lo terminaron estropeando. Sin embargo, el cineasta Sidney Lumet vio el atractivo cinematográfico de la historia y tuvo el buen sentido de elegir a Al Pacino y John Cazale, ambos recién salidos de las películas de El Padrino, para los papeles principales. Sin embargo, Tarde de perros se siente como más que una película de atracos, ya que muestra de manera integral todos los errores (por parte de los ladrones y los policías), así como el caos en el hogar cuando la esposa y la madre del personaje de Pacino se dan cuenta de lo que está pasando. y su amante (Chris Sarandon) confunde a la pelusa. La tensión aumenta a medida que los ladrones ganan a los transeúntes reunidos en Brooklyn y encantan a los medios, lo que lleva a un final sangriento y vertiginoso. -KG

Con este temprano triunfo del cine africano, el director senegalés Djibril Diop Mambéty irrumpió en la escena internacional como un discípulo de Jean-Luc Godard que vinculó la inquieta invención y experimentación de la Nueva Ola francesa a una historia regionalmente específica de l'amour fou. Los jóvenes amantes de Touki Bouki, un pastor de vacas (Magaye Niang) con una motocicleta con cuernos de toro y una estudiante (Mareme Niang) de Dakar, están cansados ​​de la vida en Senegal, por lo que traman planes criminales para recaudar dinero para llegar a París. Sus travesuras fuera de la ley conducen a una carrera tensa e indirecta de la justicia, pero la naturaleza episódica de su aventura le da a Mambéty la libertad de jugar con el color, el movimiento y las convenciones de la road movie, al tiempo que ofrece un diario de viaje vibrante del país en el que están. deseoso de dejar atrás. -CALLE

ARTISTAS UNIDOS/COLECCIÓN EVERETT

"Fue una pena que Marty no fuera gay", bromeó la productora y exnovia de Scorsese, Sandy Weintraub, en la jugosa película de Peter Biskind sobre Easy Riders, Raging Bulls. "La mejor relación que tuvo fue probablemente con Robbie". Ese sería Robbie Robertson, el carismático líder de The Band, a quien Scorsese conmemoró cariñosamente en este bullicioso documental sobre un concierto que relata la actuación final del grupo. Combina entrevistas con la banda con imágenes de su gran espectáculo de Acción de Gracias de 1976 en el Winterland Ballroom, con invitados especiales de Joni. Mitchell, Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison y Eric Clapton: The Last Waltz no es solo un tributo al quinteto estadounidense, sino también a una era de rock clásico que pronto sería barrida por el punk, el disco y el rap. of the Band tiene algunos momentos para brillar (descansa en paz, Rick Danko, tu interpretación de "It Makes No Difference" es abrumadoramente hermosa), pero la clara adoración de Scorsese por su viejo amigo Robertson es palpable, dándole el centro de atención tanto en el escenario y en los segmentos de la entrevista. El líder vio a su banda como mítica. The Last Waltz anima a los espectadores a imprimir la leyenda. —TG

CORTESÍA COLECCIÓN EVERETT

A lo largo de su carrera, el director italiano Bernardo Bertolucci haría varias películas sobre personajes arrastrados por las fuerzas de la historia (El último emperador, 1900), pero este thriller asombrosamente evocador sobre el fascismo que se apoderó de su país durante la Segunda Guerra Mundial se centra en las almas pasivas. que lo hacen posible. En el papel de Marcello, miembro de la policía secreta de Mussolini, Jean-Louis Trintignant no interpreta a un ideólogo ferviente, sino a un hombre débil cuya misión de asesinar a su antiguo profesor se ve obstaculizada por un interés adúltero en su esposa (Dominique Sanda). Hay pocas películas de la época más hermosas de ver, pero el verdadero logro de The Conformist es lo bien que explora los oscuros interiores del alma de Marcello. -CALLE

COLECCIÓN EVERETT

Un cineasta menor que Steven Spielberg podría haber perdido el seguimiento de Tiburón, pero cualquier presión que sintió está completamente ausente en la pantalla. Encuentros en la tercera fase es una mezcla sumamente segura y extraordinariamente reflexiva de ciencia ficción y drama familiar, con su avatar de Tiburón, Richard Dreyfuss, que regresa como un electricista cuya vida se ve inextricablemente alterada por un encuentro con extraterrestres. Cuando llegó a los cines en el otoño de 1977, el amigo de Spielberg, George Lucas, había cambiado la ciencia ficción (y las películas en general) para siempre con Star Wars de ese verano. Pero la conmovedora exploración de Spielberg de personas comunes y corrientes que se encuentran con eventos extraordinarios es su propio tipo de viaje emocionante: reflexivo, espinoso, desafiante e inspirador. —JB

COLECCIÓN EVERETT

En diciembre pasado, la revista de cine británica Sight & Sound nombró a Jeanne Dielman de Chantal Akerman como la mejor película de todos los tiempos, lo que provocó que una ola de aspirantes a cineastas transmitiera este clásico feminista lo antes posible. Lo que encontraron fue una seductora meditación de dos horas y media sobre cómo el trabajo doméstico y la falta de oportunidades arruinan la vida de las mujeres, incluso una tan trabajadora como la Dielman de Delphine Seyrig, una madre y viuda que hace trucos para obtener un poco de dinero extra. dinero. La película se centra en tres días en la vida de Dielman, pero el efecto perdurable es cómo el director belga manipula el tiempo y el espacio del apartamento enclaustrado, dibuja increíbles actos de tensión tan ordinarios como pelar papas y extrae la tragedia de una vida ordinaria que salió mal. -SEÑOR

LICENCIAS DE 20TH CENTURY FOX/COLECCIÓN EVERETT

No acusarías al director/coreógrafo/dios de Broadway Bob Fosse con el crimen de la modestia, como tampoco lo acusarías de ser vago o desinteresado en los placeres hedonistas: era alguien que mostró una brillantez creativa absoluta, quemó docenas y docenas de puentes, y se quemó en nombre de vivir la vida a 120 mph. All That Jazz tiene que ver con esa búsqueda interminable: de mujeres, de trabajo, de inspiración y olvido. También se trata del costo que le cobra al artista, sus colaboradores y sus seres queridos. Joe Gideon de Roy Scheider está trabajando tanto en un musical de Broadway como en una película sobre un cómic al mismo tiempo. (Cualquier parecido con la producción original de Chicago de Fosse o su película biográfica sobre Lenny Bruce es, um, completamente coincidente). el cineasta esencialmente está escribiendo su autobiografía en pantalla. Sin embargo, también está adoptando una forma teatral que ayudó a revolucionar e impulsando aún más sus fantásticas cualidades en nombre de la autocrítica. Solo Fosse podría haber convertido el ajuste de cuentas de su estilo de vida autodestructivo en un retrato de un artista, coprotagonizado por Jessica Lange como Death. Y solo Fosse podría habernos dado el espectacular número de cierre de "Bye Bye Love", en el que Scheider y Ben Vereen comparten el escenario con arterias danzantes mientras nuestro hombre se deshace de esta espiral mortal. Ese último corte todavía se siente como una bofetada fría en la cara. —DF

CORTESÍA COLECCIÓN EVERETT

"Está bien conmigo". Con ese eslogan murmurado, entre bocanadas de un cigarrillo omnipresente, Phillip Marlowe (Elliott Gould) expresó el hastío de una generación para la que la permisividad se había convertido en cinismo. Está tras la pista de lo que sospecha que es el asesinato de un viejo amigo, aunque esta versión del gumshoe de Raymond Chandler es el último hombre de principios en el nido de víboras adormilado de Los Ángeles de los años 70. (Ciertamente es el último en usar corbata). El aura de hombre fuera del tiempo de Marlowe también refleja el equipo creativo intergeneracional de la película: The Long Goodbye fue escrita por Leigh Brackett (quien adaptó The Big Sleep para Bogey y Bacall en 1946), y dirigida por Robert Altman, quien describió su versión iconoclasta del antihéroe clásico como "un perdedor en todo momento". —KR

©WARNER BROS/COLECCIÓN EVERETT

Incluso después de medio siglo, El exorcista sigue siendo la película más aterradora de todos los tiempos debido a la forma en que Ellen Burstyn retrató la impotencia de una madre. Su personaje, la actriz Chris MacNeil, poco a poco se da cuenta de que su hija de 12 años (Linda Blair) no solo está actuando de forma errática, sino que bien podría estar poseída por el diablo. Entonces, la agotada Chris tiene que superar su agnosticismo y pedir ayuda a los sacerdotes mientras su hija gira la cabeza 360 grados como un búho, vomita sopa de guisantes y se clava un crucifijo en la entrepierna. Los sacerdotes se sienten igual de indefensos sin importar cuántas veces repitan: "El poder de Cristo te obliga", y el puente que construyen entre la creencia y la incredulidad funciona tan bien como cualquiera de los efectos especiales de la imagen (que aún son impactantes y visualmente impresionantes). ) al hacer de la película de terror de William Friedkin un clásico duradero e incomparable. -KG

© ARTISTAS UNIDOS/COLECCIÓN EVERETT

“Quería una misión, y por mis pecados me la dieron”. Francis Ford Coppola inicialmente se había propuesto convertir el guión de John Milius, que trasladaba la novela El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad al paisaje de la guerra de Vietnam, en una epopeya pasada de moda. Terminó con un sueño febril cinematográfico, lleno de entusiastas obsesivos del surf, conejitas de Playboy que giran, fantasmagóricos colonialistas franceses y Marlon Brando con la cara verde. Martin Sheen recibe órdenes de adentrarse en la jungla y "exterminar, con extremo prejuicio", a un ex boina verde que se ha vuelto loco y se ha convertido en un dios. Junto con la tripulación de un barco, navegará a través de algunas de las imágenes más surrealistas que jamás hayan aparecido en una película de guerra de gran presupuesto, hasta que llegue al recinto del oficial rebelde. Y la mierda se pone realmente rara. El caos en pantalla fue más que igualado por el caos que sucedía detrás de escena, y Coppola dijo que la película no era sobre Vietnam, era Vietnam. Sin embargo, sigue siendo un hito y un último suspiro del autorismo del Nuevo Hollywood, además de encapsular singularmente la locura, la caída libre moral y el horror: ¡el horror! — de la vida durante la guerra. Y aunque está disponible en recetas originales y extracrujientes, recomendamos encarecidamente el reciente "corte de Ricitos de Oro" como su versión preferida. —DF

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La película más encantadora del legendario director de la Nueva Ola francesa, Jacques Rivette, parte de Alicia en el país de las maravillas y Henry James, y termina transformándose en un nuevo tipo de película que nadie más podría haber soñado. Celine (Juliette Berto) es bibliotecaria; Julie (Dominique Labourier) es una maga. Se convierten en almas gemelas tan pronto como se encuentran en un parque de París, entrando en la imaginación del otro y compartiendo sus fantasías más surrealistas. Juntos, inventan su nueva realidad a medida que avanzan, soñando su camino hacia una aventura en la que rescatan a una niña en una casa encantada. La película es una alegre carta de amor a la idea de la amistad como una locura a dos, un juego elaborado y una meditación única sobre cómo los seres humanos pueden darse poderes mágicos unos a otros. Y a pesar de registrar 3 horas y 20 minutos, se acabó demasiado pronto. —RS

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Filmado de manera intermitente durante varios años según lo permitieron el tiempo y el dinero, el debut cinematográfico de David Lynch anunció la llegada de un cineasta completamente formado, más interesado en llevar a los espectadores a un territorio extraño de su propia creación que en encontrarlos en un terreno familiar. Henry (Jack Nance) es un tímido hombre común que vive en un páramo (inspirado en la época en que Lynch vivió en un barrio industrial en decadencia en Filadelfia) y que no está completamente preparado para las responsabilidades del matrimonio y la paternidad, ambas representadas por Lynch como pesadillas oscuramente cómicas de las que Henry nunca puede escapar. Eraserhead muestra una pureza y confianza en su visión que ahora lo hace parecer un manantial para las películas de Lynch que siguieron. Sus imágenes deslumbrantes, su diseño de sonido agresivo y su surrealismo informal y casero la convirtieron en un éxito de culto en el apogeo del circuito de películas de medianoche. —KP

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Monty Python había progresado en la comedia en séxtuple desde los chistes de la vieja escuela y el remate hasta un territorio más extraño cuando intentaron un largometraje con El Santo Grial, que se convirtió en un triunfo del absurdo. En su recuento surrealista de la leyenda artúrica, el temerario Rey (Graham Chapman) no tiene caballo sino un lacayo que hace chocar cocos, los nefastos caballeros exigen... un arbusto, y los detectives modernos investigan todas las bajas de la película. Y, al menos en la realidad de Python, los franceses siguen siendo groseros. La película no fue el éxito de taquilla que sus financiadores (Led Zeppelin, Pink Floyd e Ian Anderson de Jethro Tull) probablemente esperaban, aunque la falta de éxito fue "solo una herida superficial". Se convertiría en un digno hit de culto cuyo legado sigue creciendo (ejem, Spamalot). -KG

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Es arriesgado hacer una película que dramatice un evento histórico apenas cuatro años después de que sucediera. Alan J. Pakula no solo demostró que se puede hacer, sino que se puede hacer de una manera que resista el paso del tiempo. Sabemos mucho más ahora sobre la irrupción de Watergate de lo que sabíamos en 1976, cuando se estrenó Todos los hombres del presidente, incluida la identidad de Garganta Profunda, y, sin embargo, eso no impide que el thriller de Pakula sobre Woodward y la innovadora investigación del Washington Post de Bernstein siendo la obra maestra inductora de ansiedad que tantas otras películas periodísticas aspiran a ser. Robert Redford (con su alto aire WASP) convierte a Bob Woodward en el contraste perfecto para la energía nerviosa de Dustin Hoffman como Carl Bernstein; juntos, hacen que contestar el teléfono parezca la actividad más emocionante que jamás haya tenido lugar en la pantalla. Y a pesar de lo intemporal que resultó ser este periodismo procedimental, también es una de las películas más representativas de los años 70, no solo en el tema, sino también en la paranoia que emana. —EZ

©20THCENTFOX/COLECCIÓN EVERETT

Después de que la tripulación de la nave espacial Nostromo se despierta inesperadamente de la estasis antes del final programado de su viaje, apenas se despiertan antes de que comiencen las quejas. Al igual que Dark Star (otra película con un guión de Dan O'Bannon) antes, Alien ofrece una visión del viaje interestelar que es más rutinaria que maravilla cósmica, hasta que, es decir, la tripulación toma un pasajero inesperado en la forma de un criatura parásita. Comienza anidando dentro de un miembro antes de salir de su pecho; luego, lentamente, metódicamente, comienza a eliminar a los demás. Resulta que el espacio no es un lugar alejado de la lucha darwiniana. El contraste entre el escenario metálico, hecho por el hombre (aunque sucio) de Alien y un xenomorfo con un imperativo biológico de matar es solo un elemento que ha hecho que esta película de Ridley Scott se queme en las pesadillas de todos los que la ven. (El diseño de la criatura de HR Giger, un conjunto inquietante de huesos, baba e imágenes sexuales, es otro). La Ripley de Sigourney Weaver comienza la película como uno de varios personajes amenazados por el intruso del barco, al final de la película, ella asegurar su lugar en cualquier lista de los héroes más grandes de la ciencia ficción. La vida es para los supervivientes. Incluso los xenomorfos entienden eso. —KP

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En el tiempo de inactividad entre las dos primeras películas de El Padrino, Francis Ford Coppola hizo una obra maestra diferente, una que aprovechó el estado de ánimo paranoico del momento. Gene Hackman interpreta a Harry Caul, un experto en vigilancia con sede en San Francisco cuya última tarea, espiar a una pareja que camina por un concurrido parque del centro, presenta un desafío profesional irresistible y amenaza con llevarlo a un misterio mortal. Es un thriller elegante que explora cómo los avances tecnológicos estaban destruyendo los límites de la privacidad; y una inquietante descripción de alienación y desintegración, en la que Harry descubre que los muros que ha erigido para protegerse del resto del mundo pueden, de hecho, ser una trampa. —KP

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Mucha gente habría echado un vistazo al pueblo minero de Presbyterian Church y no habría visto nada más que un agujero de mierda en la frontera. John McCabe, sin embargo, ve una oportunidad. Junto con otra llegada reciente, una mujer británica llamada Constance Miller, establece un burdel de clase alta y satisface las necesidades carnales de oferta y demanda de los trabajadores y los lugareños. El exitoso modelo de negocios de su dúo atrae la atención de una empresa minera corporativa, que quiere comprarlos. McCabe y la Sra. Miller rechazan la oferta. Entonces las cosas se ponen violentas. El intento de Robert Altman de hacer con los westerns lo que hizo con las películas de guerra con MASH está repleto de los toques característicos del director: un gran elenco, diálogos superpuestos que parecen provenir de todas partes pero de ninguna parte, una lente Zoom que corre el riesgo de ser confundida con un mirón. . Sin embargo, su habitual irreverencia viene acompañada de un fatalismo que ni la pareja de estrellas de cine de la vida real Warren Beatty y Julie Christie ni los destellos de humor funky pueden eliminar. Toma que la mayoría de los géneros estadounidenses y enturbia sus aguas (y sus imágenes), celebrando un sentido de comunidad improvisado e inconformista antes de molerlo bajo el talón del establecimiento. El final del juego es una neblina alimentada por drogas o la muerte. Esta es America. —DF

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El momento del Big Bang para la era de los éxitos de taquilla, el fenómeno de terror de Steven Spielberg sigue siendo una clase magistral en la creación de suspenso al avivar la imaginación de la audiencia con un terror que en su mayoría acecha fuera de la vista. Pero darle crédito a Tiburón por el surgimiento del entretenimiento de gran presupuesto y basado en efectos es perderse todo lo bueno que tiene: las famosas luchas del cineasta con un tiburón mecánico alimentan la brillante estrategia de provocar la presencia de un Gran Blanco sin convertir las playas de Amity Isla en un espantoso buffet. A través de tomas de reacción con los ojos muy abiertos, acción fuera de la pantalla y las secuencias amenazantes de la partitura de John Williams, Spielberg hace que las partes menos costosas sean las más efectivas, estableciéndose firmemente como el director de estudio con más talento natural de su generación. Que también cambiara el panorama de la realización de películas y añadiera un toque de pavor a las vacaciones en la playa estadounidense fue simplemente un extra. -CALLE

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La obra maestra de Martin Scorsese es muchas cosas a la vez: un estudio de personajes preciso, un retrato devastador de la soledad, un comentario sutil sobre las consecuencias psicológicas de la guerra de Vietnam, una película de grindhouse que rocía sangre, una comedia de oficina loca. (Tom de Albert Brooks y Betsy de Cybill Shepherd fueron los Jim y Pam de su época.) Más que nada, es una instantánea de la ciudad de Nueva York en su nadir infernal urbano, filmada durante el notoriamente sofocante verano de 1975, en medio de un basurero. huelga, protestas policiales y crisis presupuestaria (el titular "FORD TO CITY: DROP MUERTE" apareció en el New York Daily News ese otoño). La imagen de Scorsese cuenta tanto con una estilización inmaculada como con una verosimilitud de "usted está allí", con respecto a la Gran Manzana en descomposición con asombro y terror a partes iguales. Y la actuación de Robert De Niro como el taxista perturbado Travis Bickle sigue siendo una de las más emocionantes. —JB

COLECCIÓN EVERETT

Hay muchas películas sobre Hollywood, pero pocas capturan el pecado original de Los Ángeles con una precisión escalofriante como el neo-noir de Roman Polanski, ambientado en la década de 1930 que abre grietas en la tierra árida de Los Ángeles para revelar el pozo negro humano que lo conduce. Escrita por Robert Towne, la película sigue a Jake Gittes interpretado por Jack Nicholson, un detective privado en lo que él cree que es un simple caso de marido infiel. En cambio, se ve arrastrado al mundo infernal de la política del agua de Los Ángeles, siguiendo a la seductora pero misteriosa Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), cuyos secretos son mucho más oscuros de lo que podría haber imaginado. Towne y Polanski utilizan el crimen de cómo la ciudad asolada por la sequía importó agua a través de medios mal conseguidos como una forma de diseccionar la podredumbre que acompaña a la codicia. Las imágenes se sienten resecas, la iluminación dura asociada con el noir da paso a una luz casi opresiva. Es una película que te deja con una sensación de asco, como si los buenos nunca pudieran ganar. Y esa es solo la intención. —EZ

IMÁGENES MGM

Si hubiera nacido en otra familia, tal vez la vida de Michael hubiera sido diferente. Pero es un Corleone y solo hay un camino para él. En los últimos 50 años, el impactante primer capítulo de la indeleble epopeya mafiosa de Francis Ford Coppola ha recibido todos los superlativos. (La película es tan legendaria que su realización se convirtió en una espléndida miniserie de Paramount+). Y, sin embargo, es posible que aún no estés preparado para la brillantez acerada de la actuación de Al Pacino como Michael, un hombre que le insiste a su verdadero amor Kay (Diane Keaton) que no se parece en nada a los otros miembros de su clan mafioso. Sin embargo, allí está, seducido por el poder y la obligación, restaurando la posición de los Corleone una vez que su amado padre Vito (Marlon Brando) es asesinado a tiros por sus enemigos. En este punto, los temas e ideas de El Padrino se han absorbido por completo en la cultura, tanto que incluso aquellos que nunca han visto esta potencia se los saben de memoria. Pero mire más allá de la exploración a menudo elogiada (y aún sobresaliente) del lado oscuro del sueño americano, y descubrirá un drama criminal espectacularmente entretenido, moralmente serio y sombríamente divertido que también es uno de los más escalofriantes. sagas jamás hechas. Junto a futuros titanes como James Caan y Robert Duvall, Pacino era relativamente desconocido en ese momento, pero aquí dejó su huella para siempre en el cine estadounidense. El público se quedó boquiabierto al ver la horrible ascensión de Michael al trono y, al mismo tiempo, se emocionó al ver a uno de los mejores actores de este país anunciar su llegada. —TG

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Desde los créditos iniciales de la parodia del anuncio hasta el omnipresente chelín del candidato del "Partido de Reemplazo" Hal Philip Walker, la obra maestra de mitad de carrera de Robert Altman trata sobre la venta de Estados Unidos, con la atracción interseccional de la fama, el dinero, el sexo y la política en escenario de la capital de la música country. Todo es escalofriantemente contemporáneo, en particular los "Tennessee Twirlers", guardias de bandera en edad escolar que giran alegremente bastones con forma de rifle. Entre las banderas confederadas y los insultos raciales, también hay muchos otros factores desencadenantes. Pero poco se siente gratuito en el guión prismático de Joan Tewkesbury. Y si es difícil distinguir la parodia de la sinceridad en la música, dé crédito a los actores que componen las canciones, incluidos Ronee Blakely, Karen Black y Keith Carradine (quien figuraría en las listas de éxitos con "It's Easy" de la banda sonora). Con 180 minutos, con aproximadamente dos docenas de personajes significativos, es una obra maestra de compresión narrativa digna de una miniserie. —Will Hermes

MILESTONE FILM & VIDEO/COLECCIÓN EVERETT

Charles Burnett filmó su histórica película Killer of Sheep cuando era estudiante en UCLA, donde estaba en un grupo de cineastas negros que el erudito Clyde Taylor más tarde ensalzó como LA Rebellion, y la terminó como parte de su tesis de maestría. Lo filmó en una cinematografía en blanco y negro cruda pero maravillosa y lo centró en la trama más simple: Stan, interpretado por el actor de carácter Henry G. Sanders, trabaja en un matadero, un trabajo que le deja poca energía para cuidar de un amoroso pero frustrado esposa interpretada por el difunto actor Kaycee Moore y sus dos hijos descarriados. Un puñado de escenas impulsan la película de 80 minutos, incluida una secuencia en la que Sanders y su amigo Eugene (Eugene Cherry) intentan llevar a sus compañeros a un viaje de un día muy necesario a la pista de carreras, solo para que su auto se averíe a la mitad. . Pero Burnett está menos interesado en la narración convencional que en ilustrar su ciudad natal de Watts, una comunidad de clase trabajadora todavía marcada por los disturbios de 1965 y repleta de niños ingeniosos, adultos cansados ​​pero resueltos y delitos menores ocasionales. Llena el marco con actores sin entrenamiento recogidos del vecindario, lo que conduce a momentos famosos como una fanega de niños saltando por los techos de los apartamentos con poco cuidado en el mundo, divirtiéndose y jugando prácticamente sin nada más que espíritu. -SEÑOR

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En la resaca de Vietnam/Watergate de la década de 1970, cada movimiento que hacía Estados Unidos parecía el último acto de un hombre desesperado. Pero a Mel Brooks no le importaba si era el primer acto de Enrique V. Su parodia de los westerns es una parodia revolucionaria de la historia de los EE. UU., que presenta el Viejo Oeste como un desfile de payasadas de racistas, barones ladrones, imbéciles, tontos, tontos. y metodistas. Cleavon Little es Black Bart, el nuevo sheriff afroamericano en la ciudad de Rock Ridge. Gene Wilder es su compañero vaquero judío, Waco Kid. Juntos, pisotean los mitos más preciados del excepcionalismo estadounidense: incluso las dulces ancianas son fanáticos odiosos. Esta fue la primera vez que Richard Pryor estuvo en una sala de escritores, donde creó en gran parte a Bart; su pasión favorita, sin embargo, era el matón y hombre fuerte de Alex Karras, Mongo. (Fue Pryor quien nos dio "Mongo, el único peón en el juego de la vida".) Madeline Kahn, una cantante virtuosa que hizo su debut en Broadway en Kiss Me Kate, interpreta a la seductora Lili Von Shtupp, con su trágico lamento, "Estoy cansado". Brooks ya era una leyenda de la comedia, desde el clásico de televisión Your Show of Shows, pero aquí es donde realmente se ganó su laurel (y un cordial apretón de manos). Casi 50 años después, Blazing Saddles sigue siendo el explosivo caramelo del cine de los setenta. —RS

COLECCIÓN EVERETT

Es la respuesta de facto a "¿qué secuelas son tan buenas o mejores que las originales?" y uno de los pocos seguimientos de una película ganadora del Oscar que también terminaría ganando el premio a la Mejor Película. Sin embargo, pensar en la continuación de la saga Corleone de Francis Ford Coppola como solo una "Parte II" es darle poca importancia tanto a la película como a su creador. El guionista y director ni siquiera estaba interesado en hacer una secuela de su éxito de taquilla; estaba recibiendo tanta presión de sus productores y del estudio para que repitiera el éxito de su película de gángsters que básicamente recibió una oferta que no podía... bueno, ya sabes. Por suerte, tenía un as bajo la manga. "Había estado jugando con la idea de hacer una película sobre un hombre y su hijo, e intentar comparar sus historias cuando ambos tenían la misma edad", dijo Coppola hace varios años. "Era solo esta idea que tenía dando vueltas... totalmente aparte de la primera película de El Padrino. Pero pensé que podría funcionar para eso".

Lo que el cineasta logró entretejiendo las historias del joven Don Corleone (interpretado por Robert De Niro) buscando fortuna a principios del siglo XX, y el Michael Corleone (Al Pacino) mayor, consolidando su imperio a fines de la década de 1950, no es nada. corto de milagroso. Vemos los inicios de lo que se convertirá en una dinastía criminal, formada por inmigrantes como medio de protección y fortalecimiento comunal. También vemos lo que le sucedió a esa dinastía cuando el actual Corleone a cargo desciende a la paranoia y se aísla del mundo que lo rodea. Y el lugar donde dejamos ambas historias, con un patriarca volviendo a casa para una cena de celebración y el otro completamente solo, sentado sobre un reino de polvo, dice tanto sobre el carácter conflictivo de nuestra nación como el original sobre el experimento estadounidense.

Al igual que el primer Padrino, la Parte II ofrece actuaciones increíbles (en particular, el astuto Hyman Roth y John Cazale de Lee Strasberg, cuyo Fredo es especialmente desgarrador esta vez), escenas inolvidables de ironía y violencia, una gran cantidad de líneas citables ("Somos más grandes que acero estadounidense"). Sin embargo, lo que más recuerda es la forma en que traza la brecha entre su "entonces" optimista y su versión cínica y cáustica del "ahora". Érase una vez en Estados Unidos, un hombre hizo lo que tenía que hacer para cuidar de su familia. Una generación más tarde, un hombre mataría a sus parientes para proteger el "negocio" familiar. Los trajes habían pedido una repetición y una secuela. En cambio, Coppola les dio una saga en miniatura y una Gran Tragedia Americana escrita en sangre y lágrimas. —DF

De Rolling Stone EE.UU.